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Jeremy Geddes sobreviviendo en el espacio

Pues en un abrir y cerrar de ojos, llegó jueves y nada me da más gusto que poder compartir con ustedes una entrada más, compañeritos. Este día les presento un poco acerca del trabajo de un artista de origen australiano, que se caracteriza por llevar y elevar o hacer flotar al hiperrealismo de cada una de sus obras. Damitas y caballeros; con ustedes Jeremy Geddes.

¿Qué tal, qué opinan? Bueno, pues lo que acaban de ver, como les comenté al principio, pertenece a Jeremy, estas imágenes son de una serie de pinturas que el artista ha desarrollado a lo largo de su carrera. Como en varias ocasiones he hecho mención, este pintor hiperrealista, busca retratar la realidad, a través de pinceles, lo más apegada posible a lo que el ojo percibe físicamente. En muchas ocasiones, esta corriente, busca superar a lo que se congela dentro de una imagen fotográfica. SU trabajo le ha valido reconocimientos tales como el Spectrum Gold, el Crichton Award, el Aurealis Awarad, entre otros.

Les cuento, son los paisajes urbanos y la perfecta iluminación que suele haber en estos espacios, los que le sirven de inspiración para poder situar cada una de sus obras, que expresan cuán complejo resulta vivir en un ambiente donde lo que más impera es la colectividad que se ignora a sí misma para salir adelante.

Cabe destacar que este artista se encarga de mezclar muy bien la idea de la vida con la gravedad, en la que la imagen y el personaje principal, en sí, se ven envueltos en un ambiente en el que se flota, la persona se vuelve débil y ligera pero con una postura que denota protección y resistencia ante lo que está experimentando. Sus imágenes, sin duda, muestra la complejidad que representa para el ser humano la supervivencia emocional en el espacio, en un espacio…

Por último, en la mayoría de los trabajos de Jeremy aparece la figura de una paloma blanca que impacta al cuadro y genera todo esta revoltura de ideas en las que se encuentran contrapuestos sinónimos y antónimos; levedad, pesadez, fuerza, debilidad, etc. Esta podría, de cierta forma, ser la figura libertaria que ayuda a los personajes a romper con el entorno en el que se encuentran y a acabar con los esquemas establecidos, también podría ser la fuerza misma que les ayuda a mantenerse flotando, o por su contraparte, podría ser quien aflige y corrompe la estabilidad que los hacía permanecer centrados.

En fin, para que sigan indagando o tratando de encontrar significados sobre las imágenes que están viendo, aquí les dejo la página del artista y espero la disfruten. Más allá de abrir los ojos; abramos la mente, las ideas, la curiosidad y la creatividad 😉

Compañeritas y compañeritos, por hoy, y por esta semana, es todo. Yo les deseo que pasen un excelente día y un gran fin de semana en compañía de quienes valen la pena y los hacen sentir felices, o si su gusto es aquello de la soledad, pues también a disfrutarla. Yo les mando un abrazo muy fuerte y los espero en este espacio el próximo lunes 🙂

Rose Ü

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Latte Art para despertar

Hola a todos y bienvenidos a una entrada más de su servilleta. Llegamos al jueves y la energía baja un poco y el cansancio suele hacer de las suyas, pero esta vez, para acompañar bien al día, ¿por qué no un poco de diseños en manos de Kazuki Yamamoto y un buen latte para despertar? Así es compañeritos, este día les presento un poco del Latte Art así es que comencemos… 🙂

Observar figuras con espuma de leche en un buen café es algo que poco a poco está cobrando fuerza. De manera anónima o reconocida, el hecho de poder disfrutar de una buena taza de esta bebida, no sólo con el gusto sino con la vista, se ha convertido en una de las mejores presentaciones en cafeterías de todo el mundo.

Baristas de todo el mundo, se han encargado de hacer de un simple instante, algo especial a través de la presentación. Sin embargo, al convertirse esta práctica en algo muy cotidiano, los corazones, las plantas, los soles, lunas o estrellas, resultan ser las figuras mayormente representadas.

Lo anterior es algo que Kazuki Yamamoto, joven de 26 años no conoce. Este barista, residente de Osaka, se ha encargado de marcar diferencia con sus diseños pues crea con un simple palillo y la espuma imágenes en tres dimensiones que desafían la gravedad, tal como ya lo han visto. Cada una de sus figuras es tan increíble, que seguramente, antes de querer beber el café, uno lo pensaría mil veces. Cabe destacar que este joven también trabaja con diseños “planos” que son bastante originales.

Bien, para muchos esto puede ya no parecer algo relacionado al arte, sin embargo, creo que el hecho de poder encontrar incluso en las cosas más comunes o cotidianas, material para expresarse y combinarlo con creatividad, resulta una práctica que pocas veces ponemos todos en marcha. Puede o no gustarnos, pero es bueno no pasar por alto que los detalles y las reproducciones que hacen estas personas, llevan consigo ingenio y una manera distinta de decir lo mismo que se ha venido diciendo con el tiempo.

¿Qué tal, se animan a despertar este jueves? Por hoy es todo, yo los dejo con más imágenes del “Latte Art” de Yamamoto y los invito a que nos encontremos nuevamente el próximo lunes. Pasen un excelente fin de semana, sonrían mucho yyyyy ¡hasta la próxima!

Rose Ü

Modificando basándose en el tiempo.

¡Hola a todos, nuevamente! Como suelo decírselos, es un gusto poder contar con ustedes en este espacio que cada martes y viernes se llena de cuestiones visuales. Este día no será la excepción. Así es que yo los invito a tener los ojos bien abiertos y la capacidad de asombro y/o la curiosidad a todo lo que da.

 

Ya advertidos, les cuento que hoy toco un poco el tema del Steampunk en manos de Datamancer (más adelante se enterarán bien qué o quién es). Para empezar, les dejo aquí algunas imágenes, observen sus características físicas y por qué no, de discurso también. Aquí las tienen…

 

 

 

Bien, pues estas imágenes pertenecen a trabajos derivados del antes ya mencionado Steampunk específicamente a Datamancer, el artista. Para empezar, compañeritos, les platico que este, el steampunk es un subgénero surgido dentro de la ciencia ficción que suele estar mezclado un poco con la fantasía y que posee temporalidad. Es decir, se puede situar en cierto momento histórico.

 

Una de sus características tiene que ver con el hecho de que se crea un ambiente de época que nos sitúa como espectadores en la tecnología del siglo pasado, en especial, desde la Segunda Revolución Industrial. Aquí también se le presta vital atención a temas que tienen que ver con la energía a vapor y la tecnología mecánica adaptada a nuestra realidad actual.

 

 

 

Digamos que en este subgénero se encuentra presente un retrofuturismo, en el que el artista puede imaginar un pasado o incluso presente alternativo, donde en cierto punto de la realidad que se vive en cada historia, los sucesos cambian y se ofrece una historia alternativa, tal como lo podemos ver con las computadoras y demás dispositivos modificados.

 

 

Bien todos estos trabajos que ustedes acaban de ver, pertenecen a Richard Nagy, mejor conocido como Datamancer. Su especialidad radica en la modificación de computadoras de todo tipo y estos trabajos son los que le han permitido estar en el mercado y conjugar de una manera singular el arte y el comercio, por así decirlo.

 

 

Si bien cada una de sus obras guardan similitudes debido a la línea del movimiento que sigue, cada teclado y cada pantalla, son modificados de manera única e irrepetible. Dorados, plateados, negros, mapas, engranes y cristales, forman parte de cada uno de sus proyectos y los adecua de manera tal que los personaliza.

 

Por último, la cuestión de la temporalidad readaptada a una realidad está fuertemente sentada en este ejemplo de artista y obras de arte. Por un lado contamos con elementos estéticos que además de hacer llamativa la pieza, le otorgan singularidad. Pero por otro, encontramos detrás un texto que incluye no información histórica pero si detalles característicos de una época que dista de la actual. Es por eso que cada uno de estos trabajos cuestan lo que cuestan… :S

 

 

 

Bien, antes de cerrar, esta vez, no hay tantos detalles del artista en cuestión debido a que su trabajo lo rebasa (más de lo normal) y resulta verse más como un producto comercial. Ojo, aquí no digo que se relegue sólo a eso el trabajo, sino que el artista ha tenido esta finalidad fija y ha visto cada uno de sus proyectos, como una firma única y personalizada.

 

 

De todas formas, aquí les dejo la página del artista. En sí  no habla de sus obras como tal, pero pueden ver las fotografías de sus productos y echarle un ojito a los costos. Puede que se vayan de espaldas, tal como su servilleta lo hizo o puede que les de por comprar o intentar hacer algo parecido. Sea lo que sea, no dejen de observar sus trabajos 🙂

http://www.datamancer.com/cart/all-products-c-75.html

 

Damitas y caballeros, compañeritas y compañeritos; por hoy esto se termina pero el viernes, recuerden que nos vemos con más. No le digan a nadie que yo les dije, pero se rumora que habrá fotografía para cerrar la semana 😉

 

 

Les mando un abrazo fuerte y espero que tengan un excelente día.

Rose Ü

“Famous Capsules”

¡Hola a todos! La semana está cerrando y el último viernes de este mes ya llegó, para algunos, corriendo y para otros, apenas caminando. Sea como sea, no hay mejor opción que aprovecharlo bien haciendo lo que nos gusta y probablemente lo que no, el chiste es no dejarlo pasar como si nada 🙂

En lo que a este espacio respecta, hoy les presento parte del trabajo de un artista que, utiliza como referente iconos de la cultura popular y que por ende, son reconocidos o bien conocidos por todos. Aquí, la intención de querer dar a conocer algo, no es rebuscada y además divierte y llena los ojos con formas (por lo menos en esta serie) muy sencillas. ¡Ahí les va!

Compañeritas, compañeritos; el Van Gogh, Dalí y Gandhi que ustedes acaban de ver, forman parte de una serie que lleva por nombre “Famous Capsules” y que pertenece a Grégoire Guillemin, diseñador francés que pone en juego parte del conocimiento que el espectador tiene frente a diversas imágenes en las cuales, suprime rasgos pero en su lugar, imprime esencias.

http://behance.vo.llnwd.net/profiles4/234826/projects/1680846/hd_318887afb548e955b3401ade3699ebb5.png

Si bien en esta parte de la serie, los elementos gráficos, los colores, o las características específicas y determinantes de cada personaje, hacen que se ubiquen rápidamente, lo que refuerza la noción de cada persona, es la frase, leyenda o cita que aparece debajo de cada uno.

Ahora, por otra parte, dentro de este proyecto, no sólo están incluidas estas imágenes en las que se observa a un personaje. Aquí también se cuenta con diseños en los que se encuentran diversas figuras icónicas dentro de un mismo póster y el cual, a diferencia de las anteriores ya no tiene frases. Esto rea un juego más dinámico en el que el espectador pone a prueba su conocimiento frente a todas las que se presentan.

¿Qué tal, reconocieron a todos? Ahora, ¿qué hay de esta multitud? En teoría hay 323 similares, pero…

Sí, así es, en “Famous Capsules”, el buen Grégoire también muestra trabajos en los que la repetición, el ritmo, la cadencia y el rompimiento de éstos están presentes. Como se puede observar, el mensaje no es complejo, los temas resultan familiares, se rompen barreras culturales y se ubican puntos identitarios entre las personas de generaciones y ubicación geográfica distintas.

Por último, dentro de la parte estética resulta interesante y muy peculiar que, partiendo de la misma forma oval, se represente lo que podría ser la cara de cada personaje, utilizando además, colores sencillos, pero llamativos. De igual forma, es el hecho de plasmar de manera creativa sus ideas (que en verdad son sencillas… personajes famosos) lo que añade gran valor a este trabajo ya que sin tener rasgos prefectos, ojos, boca, nariz o demás facciones, se entiende a la perfección de qué o quienes se está hablando.

Caricaturas, personajes de películas, músicos, artistas, personajes de la historia. Todos caben en este proyecto del cual, a continuación les dejo el link. Si se animan, le pican y le echan un ojito, también podrán revisar la gran variedad de diseños que tiene este artista y que son totalmente distintos al proyecto que hoy les presenté.

http://www.greg-guillemin.com/85780/gallery

Damitas y caballeros, por hoy me despido y les deseo un excelente fin de semana. No me voy sin antes recordarles que diario hay cosas por aprender en este blog y que por aquí nos vemos el próximo martes, Ya saben, ¡pórtense como puedan!

Rose Ü

Historias con agua y pintura.

Pues el bien amado viernes volvió a llegar. A él y a ustedes les doy la bienvenida a este espacio en el cual la acuarela se hace presente a través de una serie de pinturas llenas de luz y tonos llamativos. Así es que, terrícolas que hoy nos visitan, sin más ni más, con ustedes, Peggi Habets y parte de su trabajo. 🙂

 

 

 

 

La técnica de la acuarela consiste en pintar, con colores diluidos en agua, sobre papel blanco o cartulina. De acuerdo a la cantidad del líquido en la mezcla, se determina el nivel de transparencia de cada tono (todos, si no es que la mayoría, vivimos esta experiencia en el kinder… es decir, ya llovió).

 

 

 

Peggi Habets es una artista cuyo trabajo ha sido expuesto a nivel internacional y ha formado parte de distintas publicaciones como Pratique Des Arts; Watercolor Artist; Watercolor Magic; Palette; y Portrait Society of America’s The Art of The Portrait.  De igual forma, la pintura de Peggi fue seleccionada como una de las 125 entre 8000 acuarelas para ser exhibirse en la Bienal de Acuarela de Shanghai.

 

Bien, como se puede observar en sus trabajos y tal como ella lo menciona, la pintura es la forma en la que explota este deseo de constante contemplación hacia las cosas, las personas y las situaciones que la rodean. Si bien esta razón (además de ser común entre todos los artistas) es poco convincente, es el hecho de que ella reconozca que, conociendo o no a sus modelos, inventa una historia a partir de lo que observa.

 

 

 

 

 

Una de las características que dota de peculiaridad el trabajo de Habets, es el hecho de que a pesar de ser realista, ella no plasma la imagen como una fotografía fiel; es decir, se observan y se captan mayormente emociones, estados de ánimo o historias a través de los colores y el brillo de cada una de las imágenes.

 

 

Ya para cerrar, cabe destacar que esta artista no se define por los tonos que utiliza, es decir, ella emplea desde lo más opaco, hasta lo más brillante. Dentro de cada trabajo, puede o no conjugar una amplia gama de matices, pero es este juego e interacción entre brillo, color e incluso textura, lo que determina el entorno y la atmósfera de cada pintura.

 

 

 

Pues bien, damitas y caballeros, yo me despido por hoy y aquí les dejo la página de la artista. Échenle un ojito y, si les interesa, pueden contactarla y preguntarle los precios de cada uno de sus trabajos ahí expuestos… ya después me contarán. Si no, pues nada más con revisar. 😛

http://www.habets-studio.com/my_galleries.php?mgd_id=7659#.UXDdTRwWloU

 

Como siempre, les deseo un muy buen viernes y un excelente fin de semana. Recuerden portarse como puedan y no dejar de visitarnos. ¡Nos encontramos el martes que viene, compañeritos!

 

Rose Ü

 

 

El arte, la ciencia y la luz.

 

¡Hola, holaaaaa! Nueva semana y nueva entrada de su servilleta. Espero que estén teniendo un excelente martes y que aquello del cambio de horario no los haya descontrolado… tanto. 😛 Hoy, en este espacio, le volvemos a abrir las puertas a la ciencia en conjunto con el arte, así es que bienvenidos todos y ¡empezamos!

 

Antes que nada, disculpen la calidad del video. En sí, este sirve para presentarles el trabajo del australiano Ian Burns, artista reconocido por trabajar con la luz y la reflexión de ésta desde hace muchos años, lo que le ha permitido gran reconocimiento internacional y diversas exhibiciones en lugares como Austria, Irlanda, España, Estados Unidos, Bélgica y Australia, por supuesto.

 

Cabe destacar que cada una de las estructuras que este artista diseña para poder apoyar sus instalaciones eléctricas, podrían ser catalogadas (tal como ya lo hice yo) como eso, “estructuras”. Sin embargo, en el uso estricto de la palabra, de acuerdo con la forma en que él las denomina, será mejor llamarlas “esculturas”. Ya saben, para que no se ofenda el buen Burns. 😉

 

Como bien se puede observar, este artista (que también es ingeniero desde 1989) rebasa la idea de querer mostrar sólo imágenes a través de la luz, es decir, se crea un juego con la iluminación en donde las palabras y figuras proyectadas cambian y se transforman. Es por esta razón que el trabajo de Burns está completamente ligado a la interacción lúdica entre el material, la persona y el resultado.

 

Con respecto al material empleado por Ian, se puede decir que se basa en una serie de focos, bombillas o como les gusten llamar, una buena cantidad de lupas, cables, apagadores y estructuras diversas de madera, metal, etc, las cuales sirven para instalar todo el material anterior. Dentro de la instalación, él explica que la conexión entre todas las luces

es de distribución simple, es decir, que se parte de un solo interruptor para manipular toda la energía.

 

Cabe destacar que aunque los elementos anteriores son parte de su materia prima, Ian utiliza otros materiales con los cuales sigue experimentando y analizando este fenómeno de la reflexión de la luz. Por ejemplo, el año pasado, para la Feria de Artes de Melbourne, realizó una escultura de nombre “Clouds” la cual, se formaba con paraguas, ensaladeras, juguetes, alfombras, motores, televisiones (para reproducir la imagen a proyectar) y ventiladores. Miren…

 

Por último, damas y caballeros, dentro de este proyecto, se generó también audio. Sí, podría parecer demasiado, pero Clouds es una obra verdaderamente completa, en la que se reúnen conocimientos y experimentaciones científicas (cuestiones de medición, de electricidad, física y temas relacionados) concepciones artísticas (delimitadas por lo visual, iluminación y estética) y una creatividad enorme y ganas de innovar haciendo coincidir la ciencia y el arte a través del elemento primordial: LA LUZ.

 

Como podrán ver, la calidad de los dos videos que les puse no es muy buena y en sí, tampoco contienen gran acción, no cuentan una historia, no hacen reír, ni emocionan hasta la lágrima a nadie. Pero digamos que son un buen instrumento de documentación que sirve para conocer un poco más a fondo el trabajo de Ian. 🙂

 

 

Compañeritos, por hoy esto es todo. Aquí les dejo la página de este artista, tiene muchísimos proyectos y todos muy interesantes y peculiares. Los invito a que los revisen, en verdad valen la pena. Eso sí, cabe destacar que todos sus proyectos están muy clavados y sí son sumamente elaborados. El buen Ian tiene una masa gris privilegiada y vaya que la usa de manera productiva. Pero bueno, ya tendrán espacio para corroborar lo que les digo. http://www.ianburns.net/IBworks.html

 

Les mando un abrazo muy fuerte y ya saben que los encuentro aquí el viernes entrante 🙂

 

Rose Ü

Y en cada una, una historia.

blah

¡Hola, holaaaa! Como todos los martes, desde hace ya un buen ratito, nos volvemos a encontrar en este espacio. Hoy les quiero llenar el ojito con un poco de pintura de un artista cuya trayectoria y experiencia le han permitido un gran reconocimiento a nivel internacional. Señoras y señores, niños y niñas, jovencitas y jovencitos (compañeritos que pasan por estos rumbos a leer un poco)… con ustedes, Vincent Fantauzzo.

 

 

Les cuento, este artista nació en el año de 1977 en el Reino Unido. Sin embargo, siendo todavía un niño, se mudó con su familia a Melbourne, Australia. Fantauzzo es pintor de formación, es decir, estudió la licenciatura y maestría en Bellas Artes en Pintura y es este detalle el que le ha permitido ser reconocido por su trabajo dentro del campo del retrato. Sus pinturas y proyectos han sido expuestos en varios puntos del globo terráqueo que incluyen la India, Vietnam, Nueva York, Los Ángeles, Hong Kong y, por supuesto, Australia.

 

Dentro de la trayectoria de Vincent, cabe destacar que en 2008 entra al Archibald Prize (el premio más importante sobre retratos en Australia) por su trabajo sobre el actor fallecido en ese mismo año, Heath Ledger, el cual, quedó en segundo lugar y le valió el Premio del Público. De igual forma, en 2009 es el retrato del pequeño actor Brandon Walters (conocido por su papel en la película “Australia”) el que le vuelve a brindar el Premio del Público.

 

 

 

 

Bien, como se observa en los anteriores trabajos, el toque realista, nuevamente se hace presente. Además, este artista se vale de distintas técnicas de cine y fotografía para poder realizar sus retratos. Es decir, el recurso de la iluminación, el juego entre luz y sombras, una múltiple exposición (dentro del mismo cuadro vemos a la misma figura repetidas ocasiones en distintos lugares. En este caso, los ojos se deleitan con un buen 3×1 de Heath Ledger ) y la ambientación de los espacios, son algunos de los recursos empleados en las pinturas que nos brindan cierta narrativa y nos cuentan una historia.

 

 

 

 

Ya para cerrar, una de las características más importantes de este artista, tiene que ver con el hecho de que no utiliza sólo la figura femenina, masculina o infantil para detallar su trabajo, no existe limitante ni encasillamiento en la gama de personajes que emplea. Lo más importante, es el aspecto de las expresiones o facciones de los individuos o de los entornos, ya que son estos los que nos cuentan una historia (la famosa narrativa de la que les hablaba en el párrafo anterior).

 

 

 

 

Recordemos que cada trabajo tiene diversas interpretaciones de acuerdo al sentido de identificación que el espectador tiene con la obra misma. Eso sí, de que hay significación en las pinturas, lo hay. Por este motivo y como cada semana, les dejo el link de la página del buen Fantauzzo. Lo de siempre, ya saben; revísenlo, formen sus ideas, pero no caigan en el debrayes mental sin fundamentos porque luego resulta cada tragedia que bueno… 😛

http://www.vincentfantauzzo.com/gallery/

Compañeritas, compañeritos, por mi parte es todo. Me despido esperando que su día vaya muy bien e invitándolos a que no nos pierdan la pista día con día. Yo les mando un abrazo fuerte, fuerte y los encuentro por acá el viernes entrante con más cosas para llenar los ojos, el interés, el aprendizaje y la curiosidad (espero…).

Rose Ü

 

De muros, aerosol, ratas, vagabundos y más…

blah

Una vez más hola a todos lo que pasan a leer este espacio. Ya es viernes, para muchos

ha llegado el día que les abre las puertas a un paraíso que, esta ocasión, se prolonga por

aquello del puente del 18 de marzo (día de la expropiación petrolera) y que resulta aún más

placentero. Hagan lo que hagan en este día, lo importante es que disfruten y aprovechen el

tiempo como más les plazca 😉

En fin, pasando a “lo mero, mero” hoy les presento un poco acerca del trabajo de Blek

le Rat, artista urbano nacido en Francia que, a sus sesenta años sigue firmando muros y

estructuras de diversas ciudades al rededor del mundo. Aquí van algunos de sus trabajos,

échenles ojito y váyanse dando una idea de lo que viene…

Blek le Rat es un artista influenciado por el graffiti y precursor del esténcil que comenzó su

obra en el año de 1981. Inició pintando ratas en las calles de París ya que según su idea

éstos, “son los únicos animales libres en la ciudad” que además “se extienden como plaga

en todas partes, al igual que el arte urbano o callejero”

Si bien, lo segundo tiene mucha vigencia, lo primero (aquello de la libertad de estos

roedores) ya no tanta. Digo, las palomas últimamente en muchos lugares del mundo

(incluído París) le hacen competencia al gremio de las ratas y sí, también son plaga. Pero

bueno tomando en cuenta la antigüedad con la que este artista ha desarrollado su trabajo,

digamos que su principio fue totalmente cierto ciando comenzó “rayar” paredes.

Antes de dar paso a lo que su trabajo comprende, cabe mencionar que Blek le Rat decidió

ponerse este nombre tomando como base una caricatura llamada Blek le Roc. Él cambia el

“roc” por “rat” tomando como base la palabra “art”. Sonó medio enredado pero nada de eso,

en términos más sencillos, “rat” es anagrama de “art”. Señoras y señores, con ustedes le

Roc.

Ahora sí, compañeritos, les platico que el trabajo de le Rat tiene como base la conciencia

social, es por esto que dentro de sus imágenes vemos a una persona en oposición, con

armas o tomando acción. De igual forma, plasma a personas, nuevamente solitarias,

sentadas, acostadas en el piso o de pie, pero en esta ocasión como vagabundos. Cuestión

que él describe como un problema global.

Algo fundamental dentro de su de trabajo, es la intención que él tiene porque el arte llegue a

toda la gente. Es por esto que, a pesar de que lo persigan y/o lo detengan, él sigue pintando

las calles de Nueva York, Miami, Londres, Berlin, Uruguay y México (entre otras) con sus

graffittis.

“Intento exponer las mejores cosas de la vida mediante inesperadas imágenes que distraen

y deleitan a los peatones, sacándolos de sus preocupaciones cotidianas. A pesar de las

represalias por parte de la policía en contra del graffiti, continuaré asaltando las calles en la

oscuridad, ya que para mí, llevar el trabajo directamente a las calles es parte primordial de la

evolución del arte(…)”

Ya para terminar, sus imágenes son patrones. Es decir, el al vagabundo tirado en el piso o al David

con un arma y a sus ratitas, claro, está (entre muchos otros de sus personajes) los podemos ver en

muros de distintas ciudades, todos conectado con la misma idea de la conciencia social.

Compañeritas, compañeritos, por hoy esto se termina, les dejo la página del buen Blek (que está en

remodelación, pero que sí tiene bastantes trabajos por observar) y los invito a que observen, a que

formen sus ideas y comenten qué les ha parecido.

http://blekmyvibe.free.fr/blekstreetart.html

Los invito a que no dejen de seguirnos en Twitter y Facebook porque siempre hay cosas nuevas y

muy interesantes (@PaaxSound/Paax Sound – servicios de audio). Para lo que se les ofrezca, acá les

dejo también el contacto de su servilleta (@islas01rose/Rosa Islas Gurrola) 😉

Como siempre, les mando un abrazo fuerte, les deseo un excelente puente. Ya saben pórtense…

como puedan y nos encontramos aquí el martes que viene.

Rose Ü

Un poco de collage.

blah

Bien, este viernes llegó de la mano de una fecha conmemorativa, es decir, el día Internacional de la Mujer. Por lo tanto; bienvenido, viernes; bienvenidos compañeritos, y feliz día, “chicuelas”. Arrancamos con esta entrada, en la que presento un poco acerca del trabajo de un artista que basa sus retratos en recortes de revista hechos collage. Aquí un poco de su trabajo.

 

Su nombre, Derek Gores. Nacido en 1971 en Nueva York, decide estudiar en la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence, de la cual se gradúa en el año de 1983. Es esta formación es la que le permite desarrollar trabajos como los que les presenté anteriormente, aunque cabe destacar que Gores también se desenvuelve en el campo del dibujo, el arte abstracto y la ilustración.

 

Los 15 años de trayectoria de este afamado artista e ilustrador, le han valido el reconocimiento internacional, el cual, dentro del campo comercial, incluye clientes como ESPN, Lenny Kravitz, Lucasfilm, Kings of Leon, U2, NASCAR, Adidas, Madonna, Harley Davidson, Van Halen, JCPenney, entre otros.

 

En su página, el artista indica que algunos de los recortes que utiliza en cada pieza, sí son elegidos deliberadamente pero que, en su mayoría, confía en el azar para poder trabajar sus figuras. Este es un aspecto que dota de espontaneidad cada pieza y toda la obra de Gore, que comprende una gama de tonos y colores nada restringida. Es decir, tanto el blanco y negro, como el color, se hacen presentes en cada retrato.

 

Ahora bien, el mismo Derek dice que su obra no se basa en temas complejos, que lo principal o lo que él plasma, son las figuras dentro de un espacio. Lo que dota de significado su trabajo, es la mente y el sentido de identificación de la persona que tiene frente a sí una pieza. “Me gusta que todos los elementos reaccionan con cualquier historia que el espectador trae a la mesa”.

 

Como se puede observar, en la conjunción que él establece dentro de figura y espacio, lo que retrata mayormente son mujeres, relacionadas estrechamente con el aspecto de la moda. Sí, también muestra “cosas cotidianas” como algún niño en un parque jugando con burbujas o un buen martini que, por cierto, está acompañado de un labial. Pero en su mayoría o hay mujeres o hay objetos femeninos.

 

En fin, ya para cerrar, uno de los elementos más importantes que es bueno tomar en cuenta dentro de su trabajo, es la manera en que detalla facciones, expresiones y elementos que acompañan a la imagen. Sí, es cierto, el azar juega un papel importante, pero dentro de éste, la manera de acomodar los recortes para dar cierto aspecto (que está relacionado con el color de cada papelito), llevan una planeación.

 

Bien, pues con esto yo me despido, les dejo aquí la página del artista, pueden revisarla, asombrarse o desilusionarse. Cualquiera que sea su reacción, nada quita conocer un poco más. Igual y cortar y reacomodar miles de papelitos en un canvas resulta más atractivo de lo que creen… o no. 🙂 http://www.derekgores.com/collage.php

¡Les mando un abrazo fuerte y nos vemos aquí la siguiente semana!

 

Rose Ü

La pincelada hiperrealista de Rob Hefferan.

blah

¡Hola a todos! Qué buena costumbre la de encontrarnos por aquí cada martes 🙂 Yo espero que su día vaya de maravilla y que lo que esta ocasión les presento, sea una de las tantas cosas que llenen sus sentidos hoy. Sin extenderme tanto, les cuento que, esta vez, muestro un poco del trabajo de un pintor inglés reconocido por el extremo realismo manejado en sus obras.

 

Su nombre es Rob Hefferan y, tal como lo mencioné en el párrafo anterior, su principal punto de desarrollo parte de la pintura, aunque también se ha desenvuelto en el campo del dibujo, la ilustración y la escultura. Cabe destacar que él es un artista figurativo (como la mayoría). A grandes rasgos, les platico que este término sirve para identificar al arte que se define por la representación de las figuras. Es decir, se busca que lo plasmado sea lo más apegado a la realidad a través de objetos o formas reconocibles. Aquí un poco de sus pinturas.

 

 

Pues bien, tal como lo pudieron observar en las imágenes anteriores, el término figurativo queda a la perfección, tanto como el de hiperrealismo. Este último define a la corriente que busca reproducir la realidad de una manera más apegada, en comparación con la fotografía (hace un tiempo hablé del término en otra entrada, donde les presenté algunos retratos hechos con una pluma azul).

 

Hablando un poco de las características más importantes de todo este trabajo, cabe mencionar que Hefferan no sólo se dedica a capturar el carácter y calidez de cada sujeto (determinados por los colores, las líneas y las formas retratadas), sino que a través de la pintura acrílica y los pinceles, sugiere la forma viva y la esencia de la persona.

 

Como eje central dentro de este trabajo, se contempla la figura femenina, sin embargo, también existen formas masculinas o animales. Deteniéndome un poco en el aspecto de la mujer como centro de su obra, Rob decide no dejarla sola, es por esto, que la vemos rodeada de ventanas, telas, detalles de luz y sombras que dan al conjunto un aspecto cinematográfico entre comedia romántica unas veces y de novela negra, otras.

 

Ya para cerrar, ¿qué es lo que hace que este trabajo no se confunda con una fotografía? Como bien apunté anteriormente, el hecho de acompañar a la figura central, es una de las características de este artista. Sin embargo, es aquí donde las ventanas, las paredes o las cortinas, muestran cuál es la verdadera técnica de la imagen. Esto, lejos de parecer un error, imprime singularidad a la obra.

 

Por esta ocasión es todo, compañeritos, y aquí les dejo la página de nuestro querido pintor hiperrealista; naveguen, observen y disfruten. Ya saben que nos encontramos aquí el próximo viernes con más cosas visuales. Les mando un abrazo muy fuerte y me despido.

http://www.robhefferan.net/galleriesMain.html

 

Ayós!

Rose Ü