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Street Fighter Chronicles

Feliz viernes, chicos de Paax Sound, hoy les traigo más ilustraciones ociosas, pero esta vez, posibles futuros de los personajes de Street Fighter.

Un usuario de deviantART, conocido como I-GUYJIN-I (Arman Akopian), ha creado una serie que muestra a algunos de los personajes del juego de pelea en un futuro no tan brillante. La idea es ver qué hacen ahora los personajes después de haber sido peleadores.

Aquí les dejo un par de imágenes y el link.

Hasta aquí los dejo picados, aquí el link: Deviant

Alekz, fuera

Princesas peleadoras

¡Que tal, PaaxSounderos!

Hoy les vengo a mostrar algo que me encontré, que combina a las princesas de Disney con uno de los placeres que tengo desde hace mucho.

Uno esperaría que las princesistas lucieran completamente ridículas como peleadores, pero lo que hizo el usuario de Tumblr, “Mike V”, es muy bueno; como un “Mashup” entre Capcom y Disney.

Las afectadas por Mike fueron: Blancanieves, Jazmin, Nala, Ariel, Rapunzel, Pocahontas, Cenicienta y Mulan. Estas modificaciones son muy claras, pero no invasivas. Blancanieves, por ejemplo, trae su traje original, pero con tenis y una falda más corta.

El set completo de, “Disney Princesses vs. Capcom”, se puede encontrar completo en el Tumblr de Mike V. También en su sitio, hay diseños similares a los de las princesas, pero de cosas como Psy bailando “Gangnam Style” o Mickey Mouse dándole la mano a Darth Vader.

Aquí el link: http://mikev.me/post/58320631216/disney-princesses-vs-capcom

Alekz, fuera.

Arte surrealis…mario?

Espero que tengan un bonito inicio de semana, compañeros lectores. Hoy vengo con una recomendación visual tipo “Rose”.

“Supermagritte” (un usuario de Tumblr) alteró arte de René Magritte y la convirtió en varias pinturas digitales de 8 bits. Al igual que Dalí y Varo, es conocido por borrar las líneas entre el sueño y realidad. Lo que hizo este usuario, fue tomar arte del famoso pintor surrealista y transportarlo al mundo de Super Mario Bros.

En el sitio del usuario, hay varias obras cambiadas, como “Memory of a Warp”, basada en “Memory of a Journey” y “Racoonda” baada  en “Golcoda”.

Muy creativo el muchacho, ¿no? Realmente me quedó un muy buen sabor de boca al echarle un ojo a estas “Pinturas”. Es refrescante que la gente le meta creatividad a la creación visual.

Les comparto el link: http://supermagritte.tumblr.com/

Espero se le echen un ojito y, si tienen algún caso similar de “mashups” artísticos, nos los manden al twitter o al Facebook. Esto es el Lunes de ocio.

Alekz, fuera.

Viernes de Britto

 

 

 

 

Hola a todos! Bienvenidos una vez más a este espacio. Como ven esta vez decidí empezar la entrada con una serie de imágenes de este artista contemporáneo que  seguramente varios de ustedes podrán identificar. Así es hace poco tiempo una línea de cuadernos usó en sus pastas las pinturas y diseños de este pintor para adornarlos y bueno, en este viernes, quiero presentarles, de manera breve, un poco de su trabajo. Así es que compañeritas y compañeritos, yo les presento a Romero Britto.

 

 

 

 

Romero Britto es un pintor  escultor brasileño nacido en el año de 1963. A los 14 años realizó su primera exposición pública y vendió su primer cuadro a la OEA. En su juventud visitó varios países de Europa, internándose en el arte y cultura popular. Actualmente reside en Miami y diversas partes de esta ciudad se han encargado de mostrar y promover su trabajo.

 

 

Bien como se puede observar, en el trabajo de Britto se mezclan elementos pertenecientes a distintas épocas, corrientes y técnicas. Por sólo mencionar algunas, fácilmente se puede apreciar parte del cubismo, arte pop y un poco de graffiti en sus trabajos llenos de elementos singulares y característicos que a continuación les menciono.

 

 

Sí, así es, en primer lugar, el hecho de abarcar todo con formas geométricas, delimitadas por contornos de color negro y grosor visible, es el elemento que lo ayuda a diferenciarse de otro tipo de trabajos que buscan seguir la misma línea. Por otra parte, la manera de emplear diferentes colores en cada una de las formas ayuda a que este trabajo, a manera de vitral o mosaico, sea más llamativo.

 

 

Si hay algo sumamente importante que se debe rescatar, es el hecho de que nuestro pintor y escultor de este día, suele rellenar con distintas formas las figuras geométricas que forman el cuerpo del ser, animal o cosa en cuestión. Por otra parte y por último, cabe destacar que estas formas geométricas a las que tanto he hecho referencia, ya no son tan cuadradas o esquinadas (por así decirlo) sino que se emplean elementos contemporáneos (El cabello, las posturas) adaptados al estilo de este artista.

 

 

 

 

Los colores, como ya lo había dicho anteriormente, juegan un papel muy importante en la obra, ya que retratan escenas llenas de vida, reforzadas además por las franjas, estrellas, líneas e incluso flores, que conviven y contrastan entre sí en un entorno en el que la fuerza de algunos tonos, combinada con la sencillez de otros.

 

 

Compañeritas, compañeritos, por esta ocasión, este cuento se acabó, pero los espero la próxima semana con mucho más Ü Aquí  les dejo la página del artista. Échenle un ojito y revisen sus diferentes proyectos.

http://www.britto.com/front/originals

 

Rose Ü

La oscuridad de Hertz

Así es, nos encontramos en el camino con un viernes más, por lo tanto, hola y bienvenidos sean todos a esta entrada, compañeritos. Esta ocasión, les mostraré un poco de ilustración, creo que hacía ya un buen tiempo que no les presentaba trabajos de este estilo, así es que, qué mejor motivo que ese para volver un poco con estos temas. Abran bien los ojos que ya comenzamos 🙂

Bien, les platico que estas imágenes pertenecen a un artista belga llamado Toon Hertz. Este ilustrador nació en  el año de1967 en Lieja, Bélgica. Como a la mayoría de las personas que ejercen esta profesión, desde que era pequeño, le apasionó el dibujo y así lo demostraba a cada momento.

Como se puede observar, sus trabajos siguen una sola línea, ¿por qué? el  buen Hertz cuenta que la gran influencia dentro de sus trabajos se debe a varios factores, el más antiguo es el que tiene que ver con el hecho de que siendo pequeño, se electrocutó con la televisión mientras veía una película de terror (electricidad, truenos, oscuridad… sí, sin duda elementos muy de cliché que generaron impacto en el artista). Por otra parte, su gusto por las películas de monstruos y platillos voladores causan influencia así como el gran acercamiento que tuvo con el punk y el rock en su juventud.

Bueno, como se puede observar, esta serie de ilustraciones son del 2008 e imprimen por igual una serie de características que ha seguido nuestro querido Hertz a lo largo de su trayectoria. Por ejemplo, la inminente recurrencia a lo gótico delimitado por cuestiones de colores, formas y elementos que acompañan a la escena.

Es decir, el uso continuo de colores grisáceos, negros, azules y algunos vivos rojos, la vestimenta de cada uno de sus personajes en los que destacan vestidos y mangas abombadas, sacos negros, holanes y el juego entre blancos y negros. De igual forma, pero volcándonos un poco hacia el personaje mismo, encontramos cabello oscuro, largo, despeinado, tonos de piel excesivamente clara y grandes ojos que recargan toda expresividad en sí.

Además de esto, en cada una de las caras de cada personaje encontramos facciones finas, con narices afiladas, ojos de colores claros, enrojecidos de la parte de abajo y pestañas que acentúan aún más las miradas en cada una de las historias que se están contando. El elemento más importante y que está presente en todos sus trabajos, es el de la muerte, representado por todas estas cuestiones, pero además, reforzado con los cráneos que se encuentran conviviendo con el elemento vivo, es decir, con la persona.

Por otra parte, este terror y oscuridad que Toon ha empleado a través del tiempo y a partir de sus experiencias infantiles y juveniles,  se ve referenciado por los ambientes repletos de claroscuros, sombras y neblinas. De caminos solos con árboles secos, lugres en los que convive los curvo y lo puntiagudo o locaciones “tenebrosas” en las que las ventanas, los sillones o incluso las cortinas (pertenecientes a la época victoriana), otorgan pesadez al cuadro.

Si bien este trabajo es singular cabe mencionar que se le ha comparado en repetidas ocasiones con los modelos establecidos por Tim Burton. Más allá de eso, cabe destacar que este ilustrador ha seguido la misma línea en trabajos posteriores lo cual habla de una fidelidad, incluso dentro del aspecto digital al que recurre para poder moldear sus trabajos.

En fin, la última palabra la tienen ustedes como espectadores, ¿qué les ha parecido? Aquí les dejola página donde pueden ver toda la serie de este proyecto, sin embargo, como suelo recomendarles, si les interesa o les da un poco de curiosidad, pueden googlearlo.

Por hoy me despido, compañeritas y compañeritos, no sin antes invitarlos a que se porten como puedan, a que disfruten su fin de semana y a que no dejen de seguirnos, leernos y recomendarnos. Yo les mando un abrazo fuerte y los encuentro en este lugar el próximo martes.

Rose Ü

De Diana Matín

Hola a todos!!! Qué gusto volvernos a encontrar, me ausenté el viernes pasado pero ya estoy de vuelta así es que comenzamos con esta entrada en la cual les hablaré un poco acerca de la ilustración de una mexicana que, con su propio estilo, se ha abierto las puertas de diferentes lugares a nivel nacional e internacionales. Compañeritas y compañeritos, con ustedes un poco del trabajo de Diana Martín

 

 

 

Bien, antes que nada, cabe destacar que hace tiempo no expongo sobre ilustración, así es que qué mejor que una artista mexicana para volver al ruedo. Ahora sí, lo importante; Diana es originaria de Guadalajara, es pintora e ilustradora y estas habilidades le han permitido desarrollar diversos proyectos que la han impulsado para que su trabajo pueda ser exhibido en  lugares como Los Ángeles, por ejemplo.

 

La experiencia de esta artista abarca distintas áreas que van desde el diseño de portadas de revistas y libros, la escritura de artículos y reportajes, así como publicaciones en su propio blog y una serie de viajes efectuados constantemente. Todo esto le ha permitido recolectar experiencias y vivencias las cuales, ella comenta, transforma en metáforas visuales que dan como resultado esta serie de imágenes.

 

Cabe destacar que las ilustraciones que están viendo, pertenecen a la serie Un ave canta en el cuarto piso, de la cual cito la historia:

 

“Lavinia y Klodia se conocen. Se hacen amigas. Klodia obtiene un vaciado de corazón y Lavinia se libra de una sombra de complejos que la hicieron caer de la azotea mientras cantaba. Intercambian zapatos, Lavinia gana glamour, Klodia se vuelve más ligera.”

 

 

¿Qué se puede observar en estos trabajos? Para empezar, las técnicas que se emplean son variadas, grafito sobre tela, aguatinta, touche, etc. En esta, las imágenes tienen un amplio juego de luces y sombras y por lo mimo de la fuente o elementos que se emplean para desarrollar los dibujos, predominan los tonos oscuros.

 

Por otro lado, la textura del cuadro completo se debe al material en el que se recarga el grafito, es decir la tela. Sin embargo, cabe mencionar que podemos encontrar la textura de las telas o los detalles de cada personaje dentro de la imagen, por ejemplo,  los pliegues de los vestidos, las melenas enmarañadas o los huesos marcados de algunos personajes, son elementos que la artista puntualiza y personalizan, por lo menos esta serie.

 

En cuanto a los personajes, encontramos seres con rasgos finos, Mujeres espigadas, que denotan debilidad. Rostro con miradas perdidas, con ojos fijos en otro lugar . La fragilidad de los personajes, corresponde perfectamente con la descripción de la historia.

 

 

Por último, dentro de la historia encontramos una narración delimitada por los sueños y el surrealismo que se ven detallados con la “coherencia” de los cuadros con los paisajes que aluden a los sueños, los pasillos y pisos curvos, e incluso los personajes o elementos no correspondientes al cuadro, por ejemplo, aves, hilos  colgando de algún lugar que, ojo, se encuentran justificados metafóricamente.

 

¿Qué les pareció, compañeritos? Aquí les dejo el link de su sitio para que la conozcan y revisen sus demás series, comparen y formen sus propias ideas.

http://www.dianamartin.net/lang/es/series/

 

Sin falta, los espero aquí el viernes entrante, habrá más ilustración, no mexicana, pero ilustración al fin y al cabo.

 

Rose Ü

 

Cuando el Palacio de Hierro Se Disfrazó de Batichica

– Rosana Díaz

¿Qué hace que un comercial sea efectivo? ¿Sus colores, la música, los/las modelos que aparezcan? En el mundo en el que vivimos es fundamental estar conscientes de la manera en que la publicidad nos afecta, pues estamos constantemente expuestos a ella. Por eso me propuse hacer un pequeño análisis sobre uno de los mejores comerciales que he visto, que a su vez pertenece a una de las campañas publicitarias más eficaces de la historia moderna. Me refiero a los comerciales de El Palacio de Hierro.

A mi perspectiva, su publicidad ha sido la más exitosa en el ámbito de la moda. No sólo vende ropa u accesorios, sino que hace que estos encarnen símbolos que antes no se relacionaban con la compra de vestimentas, adjudicándoles significados elevados (ejem.: la espiritualidad, la trascendencia, etc.). En este caso decidí analizar un comercial que salió hace unos diez años, pero que hasta la fecha pervive en mi memoria. Se trata del de las mujeres heroínas, ése donde tres féminas “comunes y corrientes” se transforman en Batichica, Gatúbela y la Mujer Maravilla.

El mensaje del comercial es sencillo: un cambio de ropa nos hace poderosas. En 46 segundos, eso les sucede a las tres protagonistas. La fuerza del mensaje radica, sobre todo, en el uso de conocidos emblemas de la potencia femenina: tres clásicas heroínas de cómics. Desde hace medio siglo, estos personajes se han ido grabando en el inconsciente colectivo gracias a la exportación que EUA ha hecho de ellos. Todas pertenecen a personajes de DC Comics, lo que hace que algunos se pregunten por qué dejaron fuera a las heroínas de Marvel (las de X-Men, Elektra, la mujer invisible, etc.). La respuesta a la que llegué es la siguiente: ninguna de las heroínas fue seleccionada al azar y cuál fuera la editorial tuvo poco que ver en esto. Mas bien creo que fueron escogidas por ser las heroínas arquetípicas más contrastantes entre sí con el fin de conmover a un público más amplio.

Batichica es la heroína discreta y desinteresada. La que cumple perfectamente con los roles que le ha dado su posición social y su condición de mujer, pero que también se toma el tiempo para hacer cosas extraordinarias sin esperar nada a cambio. Ella representa a la generosa ama de casa que trabaja sin cansancio para el día, pero cuyos logros brillan poco.

Barbara Gordon como Batichica

Stephanie Brown como Batichica

Por su parte, Gatúbela es la anti-heroína. Su rebeldía y cínica irreverencia hacia los estándares de moral y del “buen comportamiento” impuestos a la mujer, la hacen al mismo tiempo añorada y temida. Ella no tiene miedo de dejarse llevar por sus impulsos y sus deseos más frívolos, como tampoco tiene reparo en enamorarse y usar toda su sensualidad para conquistar. Gatúbela representa el lado femenino que ha sido reprimido por la sociedad y que pocas se atreven a manifestar: la sensualidad dominante.

Y finalmente está la Mujer Maravilla. Ella es la heroína todopoderosa, amazónica, que personifica a la mujer moderna y ejecutiva. Su poder reside en su inteligencia y la entrega a su trabajo. Ella puede ser muy dulce, pero deja bien en claro que nada está por encima de su trabajo o sus principios.

 

Así podemos ver que la totalidad del público femenino se podía ver retratado en este comercial. O, mejor dicho, fueron los deseos ocultos, las fantasías y el inconsciente femenino el que se vio reflejado.

Además, si hablamos de las razones de la fuerza de este comercial se debe añadir que una música de fondo sugerente, una minuciosa escenografía, excelentes vestuarios y maquillaje, y un buen manejo de luz y cámaras fueron el complemento perfecto al uso de los arquetipos de Batichica, Gatúbela y la Mujer Maravilla. Todo detalle fue cuidado para lograr el mayor impacto posible.

“El Palacio de Hierro” fue lo que menos apareció en el comercial de manera directa. Sin embargo, cuando uno quiera un cambio de look para sentirse más bella, más atrevida, más trascendental o más inteligente, uno pensará en visitar El Palacio de Hierro.

Readaptación de lo infantil

La semana está acabando, señoras y señores, damas y caballeros, compañeritas y compañeritos. Así es, nuevamente llega un viernes que nos abre las puertas a lo que podría ser la gloria o por lo menos que ayuda a que se rompa un poco el ritmo que se lleva y el cual termina cansándonos un poco. Hoy su servilleta hace la segunda entrega de la semana y para ello quise volverles a exponer un poco más sobre ilustración, pero esta vez, en manos de otro artista. Así es que sin más rollos, empezamos…

 

 

Les presento a Kenny Durkin, un ilustrador freelance que se ha desempeñado en diversos ámbitos; se ha encargado de hacer diversos productos tales como libros infantiles, comics, ha diseñado personajes, logos y muchas otras cosas más. De igual forma, el buen Durkin ha ganado premios como artista de caricaturas y actualmente, desarrolla proyectos independientes.

 

 

Uno de estos proyectos independientes es el que precisamente les presento en este espacio y que llama la atención por ser sencillo al momento de imprimir el mensaje. Es decir, todos lo comprendemos o si no, la mayoría porque los elementos a los que recurre el ilustrador, forman parte del referente cultural de varias generaciones.

 

Bien, pues como se puede observar, Kenny Durkin es un artista que hace uso de elementos comunes y conocidos por el grueso de la población, los cuales se encuentran estrechamente unidos por un mensaje singular y que aplica, por lo menos en las imágenes de toda esta serie.

 

 

 

Por un lado encontramos la figura de los muppets, seres que nos acompañaron a bastantes en lo años primarios de nuestras vidas. Los muppets, tal como cada ser humano, poseían “ideas”, pensamientos, sentimientos, aspiraciones y cualidades específicas que los hacían adoptar un rol dentro del grupo. Cabe destacar que todos estos personajes son un hito de la percepción infantil.

 

 

Por otro lado, existen elementos que a través de los años, van cobrando fuerza y forman parte de cuestiones clave que se quedan como referente cultural de una época. Es decir, el hecho de incluir películas o imágenes de series  que se han quedado como objetos “de culto” a través del tiempo, dejan ver que como tal este es un producto comercial, sin embargo, detrás de esto, se encuentra una idea todavía más importante e interesante que me gustaría destacar.

 

 

Como siempre se los he dicho, quedarse en el primer paso de un análisis, suele ser tarea sencilla, el mensaje se delimita sólo con lo que vemos y con lo que en primera instancia pensamos de éste. Sin embargo, es todavía mejor llegar más allá tomando en cuenta los contextos de lo cuales se sirvió el artista para tratar de decir algo.

 

Como se pudo observar y se pudo leer, la unión entre los elementos infantiles (que remiten al pasado) y de detalles actuales de igual o mayor peso (que nos sitúan en un presente) hablan de un todo que se encuentra formado por contraposiciones que llegan a ser complementarias, especialmente por las premisas niñez/juventud/madurez que están sustentadas en el recuerdo.

 

Por un lado, vemos a un Fozzie con actitud adulta, rodeado y formando parte de la escena de una serie (que se ha catapultado en los últimos años) pero con los colores y juguetes que forman parte de infancia y nuestra también. Por otro lado, encontramos a Rufo interpretando al Gran Lebowski con la ropa y el elemento característico del personajes de esta película, un cartón de leche.

 

 

Como bien se puede apreciar, el elemento infantil deja de serlo y forma parte de un algo que conocen y entienden jóvenes y adultos también. Cabe destacar que esta inmensa inclinación por la ilustración y caricatura infantil, surge de su acercamiento laboral por mucho tiempo con Disney, el cual le ha permitido desarrollar sus proyecto con las mismas características; figura humana y formas relacionadas con los niños contextualizadas en un ambiente mayor.

 

 

¿Qué les parece? En el aspecto estético, los colores, las formas y las sombras se ven determinadas por el arte o el diseño de las películas, series y personajes a los que imita, sin dejar de lado la esencia del muppet o criatura primaria.

http://durkinworks.blogspot.mx/

 

Compañeritas y compañeritos, por hoy me despido y les deseo un excelente fin de semana, a continuación les dejo la liga del blog de este artista para que revisen sus proyectos desde 2005. Como siempre, les deseo un excelente fon de semana, pórtense como puedan y aquí nos vemos el martes entrante.

 

Rose Ü

 

Un poco de Denis y sus ilustraciones

 

Bienvenidos sean todos ustedes una vez más a este espacio, compañeritos. Este martes  11 de junio,  les presento un poco de ilustración verdaderamente llamativa, llena de color y con una técnica que es seguida por diversos artistas, pero que en manos del que a continuación les hablaré, llena de personalidad y singularidad cada línea de sus composición. Primero, échenle un ojito a las imágenes y a continuación les cuento un poco. Aquí van!

 

 

 

 

 

Pues bueno, estas ilustraciones pertenecen a un artista de cual se sabe poco. Y es que en verdad indagar sobre él en la red, hace parecer que se está buscando el perfil prohibido de cualquier otro personaje conocido. ¿Cuáles son los motivos? la verdad no los sé. Pero frente a poco información biográfica y muchísima visual, pues se le dará prioridad a la segunda, aunque de vez en cuando no es tan malo conocer sobre el artista porque probablemente eso nos ayude a entender el o los contextos de sus trabajos. En fin…

 

 

La serie de ilustraciones llenas de tonos azules y amarillos con brillos y contrastes distintos que ustedes, damitas y caballeros, acaban de ver, pertenecen al ucraniano Denis Conchar. Un artista que es altamente reconocido precisamente por su capacidad de conjuntar diversos elementos dentro de su ilustración digital.

 

 

 

Así es compañeritos, el buen Denis se dedica a representar figuras, personas y demás elementos a través del dibujo, la pintura y la ilustración digital. Como en varias ocasiones lo hemos visto, este es uno más de los artistas que conjuntan técnicas analógicas y tradicionales con elementos digitales que la tecnología ha brindado.

 

Dicho lo anterior, entonces ¿por qué se tiene gran reconocimiento de su trabajo que no cae en lo común? A decir verdad, este trabajo, por mucho que utilice diversas técnicas y brinde como resultado una ilustración digital, se ve delimitado por elementos que dotan de belleza y valor a la figura plana.

 

 

 

Es decir, por un lado podemos entender que la ilustración digital en sí, lleva consigo un valor por la serie de trabajos e interacciones que existen entre las ideas, las concepciones estéticas y la manipulación tecnológica. Pero más allá de eso, las imágenes de Denis dejan precisamente ese espacio en el que lo plano parece ser un elemento intrínseco de la técnica en sí y abarcan el de la ilustración digital con volumen.

 

 

Ojo, compañeritos, en diversas entradas sobre ilustración digital, están muy presentes las texturas y justo eso es lo que choca con las características del trabajo de este artista. Por un lado encontramos figuras completamente familiares con nuestro entorno; personas, animales, cosas y rasgos cercanos a los nuestros. Pero por otro, nos disponemos a ver figuras geométricas bien delimitadas y en contraste que suponen ser las formas del cabello o mirada de alguien aunque en realidad no sea así.

 

 

Por último, el detalle de los tonos que utiliza el artista juegan un papel muy importante, ya que se apoya de una amplia gama en la que el juego entre varios ayuda a tener la concepción de luces y sombras dentro del trabajo. Sin embargo son los tonos amarillos y los azules, los que predominan mayormente en su trabajo.

 

 

Compañeritas, compañeritos; este cuento se acabó por hoy, pero aquí les dejo una página en la que pueden ver todos su proyectos. Les recomiendo que presten especial atención a la forma en la que las miradas de sus ilustraciones están plasmadas y ayudan aún más a entender el contexto de cada trabajo.

http://www.behance.net/denisgonchar

 

Bien, pues yo me despido de ustedes, compañeritos. Les deseo un excelente día y espero les haya gustado el trabajo del buen Conchar, aquí  los espero el viernes que viene con más cosas. 🙂

 

Rose Ü

 

La ilusión de Akiyoshi Kitaoka

Viernes, Revista Paax Sound, ustedes, su servilleta; sí, es una perfecta combinación y excelente pretexto para presentarles a otro artista dentro del largo repertorio que se ha formado con el tiempo en este espacio. Hoy los invito a relajarse frente a su computadora y a disfrutar de esta serie de imágenes que forman parte de la ilusión óptica. Bueno, puede que eso de la “relajada” no sea posible, ya verán…

 

 

 

Bien, estas imágenes que a más de uno, seguro confundieron o ayudaron a que hiciera bizcos, forman parte de lo que todos conocemos como ilusión óptica y pertenecen al psicólogo e investigador Akiyoshi Kitaoka quien se ha especializado, desde hace ya muchos años, en la percepción visual y las ilusiones ópticas de formas geométricas y demás fenómenos relacionados con la vista y el cerebro.

 

Les platico que las ilusiones ópticas son cualquier percepción del sentido de la vista que nos lleva a entender una realidad física de manera errónea. Las ilusiones ópticas fisiológicamente ocurren durante la conexión del hemisferio derecho y el izquierdo, gracias a esto tenemos la capacidad de percepción.

 

 

 

Bueno, el cerebro y sus múltiples funciones, son un tema verdaderamente fascinante que no deja de ser objeto de análisis aunque pasen los años. Si bien en este espacio no solemos tocar el tema científico (por así llamarlo) esta vez, nos viene bastante bien entender un poco sobre este tipo de trabajos que se combinan con percepción y sensibilidad visual ya que elementos estéticos tales como el color, el brillo y la luz, entre otros, se encuentran presentes y bien conjugados.

 

Kitaoka ha desarrollado diversas imágenes del estilo en diversas etapas de sus estudios. En la primera, podemos encontrar cuadrículas en blanco y negro a las que, al añadir pequeños puntos blancos estratégicamente situados, se logra que aparezca todo tipo de sensaciones de curvatura.

 

 

De igual manera, se pueden encontrar imágenes en las que la inclinación de los cuadrados blancos nos hace ver de igual forma a los negros, o formas que poseen el mismo tamaño, pero al conjugarlas de manera asimétrica, junto con la conjugación de espacios, ritmo y color, logran que nuestro ojo perciba diferentes medidas y dimensiones entra los elementos.

 

 

 

En cuanto a lo que respecta a los trabajos en color,  además de la tonalidad, lo que logra que se cree una idea de movimiento en las figuras, tiene que ver con el brillo, los contornos y los matices de cada fondo. Dotar de ciertas características a cada elemento para que al final, el todo, confunda a nuestros sentidos es parte de lo que su estudio rescata y concreta como un buen resultado.

 

 

Compañeritos, compañeritas, aquí les dejo una liga con algunos de sus trabajos a color. Como siempre, ya saben que los invito a que le piquen y observen, en este caso, traigan una bolsita con ustedes por aquello del mareo o déjense llevar por el engaño ante sus ojos.

http://www.psy.ritsumei.ac.jp/~akitaoka/rotsnakee.html

 

Les mando un abrazo muy fuerte y el martes entrante nos volvemos a encontrar 🙂

Rose Ü