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Remaking You Know I’m no Good de Amy Winehouse

¡Oye Tú!

¡Sí tú!

¡Dale click aquí!

 

Bien, ahora que tengo tu atención…

 

Amado y bien aventurado Paaxsoundero, hoy vengo a mostrarte un trabajo mío. Se trata de un REMAKE de una canción muy famosa de Amy Winehouse (que Dios la tenga en su santa gloria): You Know I’m no Good.

 

Antes de empezar, un Remake se trata de recrear, lo más similar que se pueda, cualquier pieza musical. En esta canción utilicé distintos refills, destacando, entre ellos, el “Soul School”, que cuenta con librerías de sonidos característicos de la época de Motown, cuando, según se dice, los niños salían a las calles a jugar.

 

Sin más preámbulos…

 

Les presento, You Know I’m no Good de Amy Winehouse:

 

Si gustan ustedes checar el Refill de “Soul School”:

 

¡Cómprenlo! Si son productores, les servirá en algún momento.

 

Bueno…

 

Si quieren que haga algún Remake, no duden en usar la bellísima sección de comentarios… en donde podrán ejercer libremente lo que por años y años, gente que vivía reprimida, luchó por obtener… Su libertad de expresión.

¡Hasta la próxima!

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Un paseo por la banda sonora de El Llanero Solitario

 

Hola, ¿qué tal va su fin de semana? Hoy me saldré de los temas relacionados con Japón para hablarles de un “estilo musical” que también me encanta. Específicamente, les contaré acerca de uno de los trabajos más recientes de un compositor alemán talentosísimo.

 

Hace poco, tuve el placer de ver la película “El Llanero Solitario”. A pesar de las muy malas críticas que le dieron, me pareció bastante buena. Siendo de Disney y estando bajo la dirección de Gore Verbinski y la producción de Jerry Bruckheimer, uno se puede esperar algo similar a Piratas del Caribe, pero eso no le quita nada a la película. Sigue siendo buena a pesar de eso. Además, destacan mucho las actuaciones de Johnny Depp y William Fichtner. Armie Hammer fue bueno, pero la actuación de los otros dos es impecable.

 

Lo que me trajo a hablar de esto el día de hoy fue, especialmente, la participación de Hans Zimmer, en la composición de la música de esta película.

 

No les mentiré, soy gran aficionada de la música de las películas. En especial, de Hans Zimmer, aunque también aprecio a muchos otros compositores de este género.

 

Como dije al principio, la película es muy del estilo de Piratas del Caribe, sólo que ésta es de vaqueros. La música tampoco es la excepción, resulta muy similar. En general, hace más uso del violín y la flauta. Sin embargo, hubo una canción que llamó mucho más mi atención. A continuación, les hablaré un poquito de ella.

 

El Llanero Solitario fue una serie de televisión muy famosa. Durante la serie, pasaban una canción que estoy segura que todos han escuchado, ya que precisamente, El Llanero Solitario la hizo famosa. Lamentablemente, no mucha gente conoce su verdadero origen.

 

Se trata de la Obertura de William Tell (William Tell Overture), compuesta por Gioachino Rossini, para la obra “William Tell” (Guillaume Tell es su nombre original en francés). La parte “famosa” es básicamente la del minuto 8:50 en adelante, pero creo que vale la pena escucharla completa.

 

Como era de esperarse, en la nueva película de esta famosa serie, tenía que aparecer esta canción.

 

Cabe mencionar dos cosas. La primera: al principio, el encargado de componer la música para la película iba a ser Jack White (sí, el de los White Stripes), pero tuvo que dejar el proyecto por “problemas con su agenda”. Incluso ya tenía unas composiciones. La segunda: no fue solamente Hans Zimmer quien realizó los arreglos para el soundtrack, Geoff Zanelli también participó en la realización del mismo y tuvo mucho que ver específicamente con los arreglos de la famosa canción de Rossini.

 

Volviendo a la Obertura de William Tell, además de ser la mejor canción del soundtrack, contribuyó a hacer de la escena donde aparece, la mejor de la película.

 

No sólo hicieron arreglos bastante buenos, también influye mucho la orquesta que la interpreta. Hicieron que fuera épica y muy al estilo de Hans Zimmer. Como siempre, destacan los violines, pero también hay que dar mucho crédito a las trompetas, que fueron un elemento clave.

 

Sin más preámbulos, espero que hayan dado click al video que les puse arriba, para que puedan notar la diferencia entre la original y esta nueva versión. Aquí les dejo esta increíble obra de casi 10 minutos, compuesta por Rossini, y con arreglos de Zimmer y Zanelli.

Ya hablando de otras composiciones del soundtrack, esta canción es algo curiosa. Mucha gente afirma que es muy similar a Piratas del Caribe y Sherlock Holmes. Pero, da la casualidad, de que fue compuesta por Jack White e interpretada por Pokey LaFarge and the South City Three. Hans Zimmer sólo participó en la producción de la misma.

 

Y ya para terminar, les dejo otras canciones de este maravilloso soundtrack. Espero que si no eran aficionados a esto, se animen a poner más atención a la música en las películas. Apuesto a que encontrarán composiciones dignas de escuchar.

 

Por cierto, no vayan a confundirse. Lo que les mostré es parte del soundtrack original de la película, pero también existe un disco llamado, “The Lone Ranger: Wanted – Music Inspired by the Film”, que es precisamente eso, un disco inspirado en la película. Tiene canciones interpretadas por Iggy Pop, The Rubens, Grace Potter and the Nocturnals, entre otros.

 

Espero, en otras ocasiones, hablar de otros trabajos no sólo de Zimmer, también de otros grandes compositores de bandas sonoras.

 

Y, nada más por puro gusto, les dejo el trailer de El Llanero Solitario. 😀

 

Muchas gracias por leer y nos vemos el jueves.

 

☆ Doris ☆

Tragedias en la música japonesa.

 

Primera parte.

¡Hola! ¿Cómo están todos el día de hoy? Como siempre, espero que anden de maravilla. Por fin ha llegado el fin de semana y hay que salir a divertirse y celebrar, siempre hay motivos para hacerlo. El mío es que terminé la universidad. ¡Oh, sí! Pero mientras hay que seguir trabajando y hoy les tengo una entrada muy interesante.

Si bien mi área es hablar concretamente de la música japonesa, hoy quiero platicarles acerca de algunas muertes lamentables y sorpresivas de algunos músicos famosos.

Así qué, comencemos:

 

Kami – baterista de Malice Mizer

01/02/1972 – 21/06/1999 

Ukyō Kamimura, mejor conocido como Kami, se desempeñó como baterista de una de las bandas más míticas de todo el visual kei, Malice Mizer.

Dueño de una técnica incomparable, además de ser un miembro irremplazable para la banda, ya que después de su deceso, no volvieron a tener un baterista oficial, usando músicos de soporte en sus presentaciones en vivo y en estudio.

Kami murió el 21 de junio del 99, a causa de una hemorragia subaracnoidea. Fue encontrado cuatro días después, falleciendo cuando su banda estaba en la cúspide de la fama y con tal sólo 27 años de edad.

 

Izumi Sakai -vocalista de Zard-

6/02/1967 – 27/05/2007 

 

Izumi Sakai era el nombre artístico de Sachiko Kamachi, una de las cantautoras más prolíficas de los años noventas. Sakai saltó a la fama por ser la líder y cantante de Zard, una banda de rock-pop,

famosos por componer el tema “Dan dan kokoro hikareteku” o como lo conocimos aquí ,”Mi corazón encantado”, opening de Dragon Ball GT.

Sakai no sólo fue compositora para Zard, también compuso para otros artistas consiguiendo excelentes resultados.

En el 2007 se le detectó cáncer en el útero; le fue extirpado, desafortunadamente, éste se propagó hasta los pulmones, aunque, “supuestamente” lo que le provocó la muerte fue un accidente que tuvo un día de lluvia mientras paseaba por el hospital, haciéndola caer de aproximadamente tres metros, lo cual empeoró su ya delicada condición.

 

Yutaka Ozaki

29/11/1965 – 25/04/1992 

Una de las leyendas de la música japonesa, ídolo de las juventudes, considerado como uno de los artistas más importantes del país, no sólo de de la década de los años ochenta, sino también de la época reciente.

Considerado como el James Dean japonés, Yutaka tuvo una carrera breve, pero llena de éxitos que marcaron a la generación de aquellos años y que influenciarían a artistas de la talla de Utada Hikaru, Ryuchi Kawamura, entre otros.

Ozaki fue encontrado sin vida y desnudo en un callejón en Tokio, con los pulmones llenos de líquido. La versión oficial fue que murió a causa de un edema pulmonar, aunque muchos consideran que se trató de homicidio.

 

Esto es todo por el momento, nos leemos el miércoles con la segunda parte. Mientras tanto, cuídense mucho. Si beben, no manejen. Nos leemos el miércoles.

Soy Nájar y me despido de todos con un:

 

“Síganse divirtiendo”.

Welcome to the Arkhelism

¡Hola! Espero que estén teniendo una maravillosa semana. Hoy les voy a platicar acerca de un proyecto que surgió hace algún tiempo por parte de un maravilloso músico.

Hace algunos ayeres, les platiqué acerca de DELUHI, una banda que, lamentablemente, se separó. Sin embargo, sus ex-integrantes han estado activos desde hace algún tiempo con algunos proyectos.

Si se perdieron la nota de DELUHI, pueden leerla aquí. Mencioné también el proyecto del cual les voy a contar ahora. Vale la pena hablar de ello más a fondo. http://revistapaaxsound.com/2013/02/07/deluhi/

Bueno, meses después de la separación de DELUHI, Sujk, el baterista, anunció su proyecto como solista. Fue una cosa rara, porque esperaban proyectos de cualquiera de los miembros, mas no de él, mucho menos a tan poco tiempo del último concierto de DELUHI.

Nada detuvo a Sujk y anunció el lanzamiento de su primer disco como solista llamado ARKLEHISM. Contó con colaboración de muchos artistas, entre ellos, sus grandes amigos de DELUHI: Leda, Juri y Aggy, así como Yo, bajista de Matenrou Opera. Evidentemente, muchas de las canciones fueron compuestas por él mismo.

Aquí hay unos adelantos de algunas canciones:

Por cierto… El gato de Sujk se llama Waccha, así que ya se podrán imaginar de donde salió el título de la canción, “The left hook of Waccha”.

Para sorpresa de muchos, el disco sí pegó. Después de eso, sacó un DVD, en el que mostraba cómo tocar algunas canciones de ARKHELISM. Valdría la pena verlo completo…

Después, Sujk se concentró en otras cosas, pero hace unos meses, anunció su segundo álbum como solista llamado, ARKHELISM 2.

En esta ocasión también participaron muchos músicos, sin faltar sus grandes amigos Leda y Juri. El disco salió a la venta a penas el 26 de junio de este año.

Iindependientemente si conocían a DELUHI o no, los dos me parecen buenos discos. Aunque, claro, si les llegó a gustar en algún momento la música de DELUHI, definitivamente les gustarán.

ARKHELISM 2 está disponible en iTunes, por si están interesados: https://itunes.apple.com/mx/artist/sujk/id661543856

Sujk no tiene página oficial, pero tiene un blog, aunque en japonés. Igual se los dejo. En la parte de arriba suele poner todos sus nuevos lanzamientos: http://ameblo.jp/sujk-official/

Eso es todo amigos. Como siempre, muchas gracias por leer. ¡Nos vemos el domingo!

☆ Doris ☆

¡Convertir a MP3 nunca fue tan fácil!

¡Hola, Paaxsounderos!

 

El día de hoy vengo a recomendarles un buen programa para convertir todos los formatos de audio a MP3 de buena calidad. ¡Se trata de ALL2MP3!

 

 

Un programa sencillo y gratuito para MAC que debes tener si necesitas convertir audios al formato más usado en estos tiempos, debido a que el tamaño de los archivos se ve reducido a unos cuantos MB, a comparación de los .WAV o .AIF (los formatos nativos de las formas de audio), que llegan a pesar decenas de MB.

 

Recuerden que el convertidor a MP3 está basado en un algoritmo que hace perder frecuencias que, generalmente, no son tan perceptibles. Comprime el audio en su totalidad y lo hace más ligero. “Ojo”: una mala compresión crea errores en distintas frecuencia, por lo general, agudas. Recuerda que el Sonido .MP3 nunca sonará como suena un Disco Original.

 

ALL2MP3 me ha funcionado bien para llevar conmigo mis grabaciones y también liberar mi MAC de cientos y cientos de MB.

 

 

Descárgalo aquí:

https://www.macupdate.com/app/mac/27103/all2mp3

 

 

¡Hasta aquí la información, Joaquín!

 

Seguimos informándoles, Paaxsounderos.

 

No olviden pasar a la sección de comentarios y a las entradas de mis compañeros.

 

Josh Aguilar

Joe Hisaishi: Un gigante de las bandas sonoras en Japón

Hola. Feliz jueves y feliz inicio de mes. Hoy les contaré acerca de un compositor grande dentro de Japón. Se trata nada más y nada menos que de Joe Hisaishi.

 

Mamoru Fujisawa (藤澤 守,) mejor conocido como Joe Hisaishi (久石 譲), nació en Nagata, en 1950. Es compositor, director de orquesta y arreglista, quizás el más famoso de Japón. A los 5 años comenzó a tocar el violín; ahí descubrió su amor por la música. En 1981 comenzó con su carrera de compositor.

 

Su música ha evolucionado con el paso de los años y ha experimentado con muchos estilos, como el minimalista, algo de electrónica y, claro, la música clásica, en especial, la europea y japonesa.

 

El nombre de Joe Hisaishi empezó a ser reconocido mundialmente gracias a los estudios Ghibli, ya que es el responsable de la mayoría de la música de las películas que se producen ahí.

 

También ha deleitado con sus composiciones en otras películas como “Okuribito”, “Dolls”, “A scene at the sea”, “Sonatine” (una de las películas más famosas dentro de Japón), “Quartet” (película dirigida por Joe Hisaishi), “Hana Bi” y muchas otras más. Sólo por mencionar, Joe Hisaishi tiene más de 100 bandas sonoras. Y no sólo ha hecho soundtracks de películas, también de unos cuantos videojuegos.

 

El compositor japonés recibió, en 2009, una “Medalla de Honor”, otorgada por el Gobierno de Japón a las personas que destacan en diferentes cosas. La medalla de Hisaishi fue la de color morado, que se le da a las personas que han contribuido a la mejora académica y artística en el país.

 

Aquí les dejo una muestra de la música de “Okuribito”, también conocida como, “Violínes en el cielo”, de la que ya les había platicado hace ya un tiempo.

 

También les dejo una muestra de “Quartet”.

 

También les comparto un concierto completo (bastante bueno) de Joe Hisaishi, en su presentación en Budokan, por el 25 aniversario de los Estudios Ghibli. Tiene interpretaciones de la música de las

películas: El Increíble Castillo Vagabundo, El Castillo en el cielo, El Viaje de Chihiro, La princesa Monokoe, entre muchas otras más.

 

El concierto está completo, así que les recomiendo verlo con calma y disfrutarlo. Vale muchísimo la pena.

Les dejo su página oficial: http://www.joehisaishi.com/

 

Por cierto, pueden comprar algunos lanzamientos de Joe Hisaishi en iTunes: https://itunes.apple.com/mx/artist/joe-hisaishi/id74486938

 

Gracias por leer y los espero el domingo 😀

 

☆ Doris ☆

Guitarra Eléctrica = a Revolución

Introducción a su historia y repercusiones.

– Rosana Díaz

La guitarra eléctrica es uno de los instrumentos más populares de la actualidad. Su versatilidad ha probado ser tan amplia como la del piano o teclado, y en términos de practicidad para llevar y traer nadie le gana. Es símbolo de la cultura pop, la música contemporánea y la rebeldía, todo al mismo tiempo. Y a pesar de ser un objeto, su mera existencia ha promovido la aparición de géneros musicales tan populares como el rock y el pop, a la vez que ha revolucionado los alcances y usos de la cultura de masas. Sin duda, es uno de los inventos más importantes del siglo XX.

La historia de la guitarra se remonta a varios siglos antes de nuestra era con la invención de los primeros instrumentos de cuerda, hechos de madera y tripas. La técnica para hacerlos evolucionó poco a poco hasta que aparecieron los primeros instrumentos que contaban con una caja de resonancia que servía para amplificar el sonido. La guitarra española (conocida hoy como guitarra acústica o de concierto) tiene sus raíces en el laúd europeo y en el oud o laúd árabe.

A continuación les muestro a Andrés Segovia, genial guitarrista español de principios del siglo pasado, interpretando “Asturias” en una guitarra de concierto:

Luego de la colonización de los españoles de las tierras americanas, el uso de la guitarra y otros instrumentos de cuerda se fue extendiendo e incorporándose a las tradiciones musicales indígenas y africanas. A partir del s.XIX, con la anexión del norte de México a los EUA, el uso de la guitarra se fue popularizando y mezclándose con la música de los migrantes europeos que llegaban a ese país en busca de mejores oportunidades, sobre todo la de los irlandeses. Fue así como se originó  el género country, emblema de la tradición musical estadounidense y base de la música pop, cuyo instrumento central es la guitarra acústica. Tiempo después, las migraciones cubanas a los EUA a principios del siglo XX llevaron la música latina (en especial el bolero, el mambo y el danzón, todos de origen cubano) a tener contacto directo con músicas estadounidenses como el blues, en cuyo corazón también se encontraba la guitarra. Es así como se cimientan las bases del jazz y nacen las primeras Big Bands.

Aquí un ejemplo de la Big Band de Count Basie, jazzista consagrado, donde se puede apreciar a su guitarrista Freddie Green llevando la guitarra rítmica:

Aquí les dejo un videíto en inglés que explica los usos de la guitarra rítmica en una Big Band:

Entonces, en la década de los 20’s y por el afán de conseguir que el sonido de la guitarra no fuese opacado por el de los demás instrumentos durante las grabaciones, los músicos de jazz comenzaron a experimentar con distintas maneras para amplificar su volumen. Una de éstas fue la adición de pastillas, las cuales convertían las vibraciones generadas por la guitarra en señales eléctricas que eran amplificadas a través de un altavoz. Luego, en 1931, la Electro String Company creó las primeras guitarras de acero y aluminio y empezó a comercializarlas con éxito. De esta manera nació la guitarra eléctrica.

Con la integración de este instrumento al jazz y al blues, la teoría musical dio un giro de 180º. Si antes sólo se consideraba como un lenguaje musical estructurado el de la escuela clásica, a partir de mediados del s.XX esto cambió y se comenzó a teorizar lo que ahora llamamos “armonía contemporánea” además de que la improvisación se volvió mucho más compleja y libre. Todo esto en gran parte debido a las nuevas posibilidades de un instrumento tan práctico y diverso como la guitarra.

Por otro lado, a partir de su invención fue que surgieron las versiones eléctricas de otros instrumentos como el bajo y el teclado, así como también se crearon nuevos instrumentos de origen totalmente eléctrico como el sintetizador. Todo esto, junto con diversos cambios sociales en la década de los 60’s, causó la aparición de expresiones musicales novedosas como el rock, el heavy metal, el R&B, el pop, etc., o sea, lo que mayoritariamente hoy llamamos “música popular”. Esto revolucionó la industria del entretenimiento de masas al producirse los primeros artistas globales. Tal es el caso The Beatles, quienes alcanzaron gran fama desde Europa, hasta América, Japón y Filipinas.

Igualmente, por vez primera e impulsados por comercializar el novedoso instrumento, se dio la producción en serie de instrumentos musicales. De esta manera nacieron modelos de alta calidad, como las Gibson, y otros de menor calidad y precio, como las primeras guitarras japonesas. Esto hizo que todo mundo pudiera tener acceso a una guitarra de acuerdo a sus gustos, necesidades y posibilidades económicas, cosa que no ocurría con otros intrumentos de la época. Y así es como este artefacto de simple apariencia se convirtió en el instrumento musical más popular y simbólico de nuestra época.

Grandes guitarristas de J-rock.

 

Segunda Parte.

¡Hola! Espero que se la estén pasando de maravilla y, si no es así, ¿qué están esperando?

Ya estamos en miércoles y como ya es costumbre, hoy tenemos una nueva publicación en el blog de Paax. Seguiremos con la segunda parte de algunos grandes guitarristas del rock japonés.

Así que sigamos.

 

Miyavi 

Miyavi es seguramente uno de los guitarristas más famosos, tanto dentro como fuera de Japón, debido a su tan conocida técnica de “slapeo” en la guitarra. El Slap es una técnica que consiste en una serie de golpes con el dedo pulgar de la mano derecha y de “jalones” a las cuerdas de la guitarra. Es una técnica más propia del bajo y de sus similares, se mezcla con otras más tradicionales para ejecutar la guitarra.

La forma de ejecutar la guitarra de Miyavi le ha ganado la admiración de muchos músicos de todo el mund,o además de que lo ha hecho viajar por muchas partes presentando su música. De hecho, es el solista japonés que más veces ha venido a México.

El estilo de Miyavi ha cambiado mucho a lo largo de los años desde sus inicios con la banda de visual kei, Due’le Quartz, hasta su extensa carrera en solitario, donde ha abarcado diferentes estilos como el rock, pop, power pop, etc. Incluso ha abarcado la música electrónica, género que más explota actualmente, pero siempre acompañado de su guitarra.  

 

Ken Kitamura 

Miembro de una de las bandas más famosas de todo Japón, L’Arc-en-Ciel. Ken ha mostrado tanto dentro como fuera de ésta, es uno de los guitarristas más propositivos de la escena del j-rock.

Aunque el estilo de Ken es un tanto clásico, en el sentido de que se le nota mucho cierta influencia de Jimmi Hendrix, del jazz y de otros elementos muy americanos, sobre todo en sus proyectos de SOAP y también como solista, no deja de ser muy innovador y poco predecible, en el sentido de que sabe hacer cosas que, aunque están muy de la mano de sus influencias musicales, llevan su estilo personal.

Toda su carrera ha estado orientada al rock, por momentos al hard rock y al grunge. Es un poco complicado a veces desenmarañar todo lo que hay en un artista. Personalmente, eso es algo que hace que un artista me guste. Creo que es un denominador común en los guitarristas que he mostrado y que mostraré. 

Esto es todo por el momento, pero seguiremos hablando de más guitarristas el próximo sábado. Te deseo un maravilloso resto de semana. Déjame tus comentarios aquí o en mis páginas en redes sociales; twitter: @Alejandro_Najar y/o en facebook: /Alejandro.najar.3.

Yo soy Najar. Nos estamos leyendo el sábado. Yo me despido de ustedes con un:

“Síganse divirtiendo”

Cuarteto de cuerdas en helicóptero

¡Paaxsounderos!

 

La música ha evolucionado con el tiempo, pues la creatividad e imaginación del ser humano suelen ir un paso adelante.

La música se han dividido en épocas históricas y sociales de la humanidad. Podemos encontrar que, en el barroco, la cultura siempre apuntaba a la perfección, pues era dedicada a Dios: perfecto y sublime. Tenemos como ejemplo de la música barroca a Handel y a Bach.

 

En el clásico, se rompieron algunas reglas, se exploraron y crearon instrumentos. El barroco había quedado atrás y era anticuado; los que se aferraban a él, eran viejuchos solitarios que perdieron su popularidad. Lo del clásico era expresar distintas emociones e innovar las técnicas de interpretación y composición. Como ejemplo:

Mozart o Beethoven.

 

Pasaron muchos años para que entrara el romanticismo, más cercano al concepto de música de hoy en día, pues tenía melodía “cantábile” y expresaba los sentimientos más puros y sublimes. Como representantes tenemos a Chopin y a Franz Liszt.

 

La música llegó al punto en el que ya no podía crearse algo nuevo, pues todo ya estaba hecho. Cualquier nuevo género no se puede considerar original, pues de ley, lleva influencia de un género ya establecido. Sin embargo, dentro de la experimentación, y con gran influencia del contexto social, se crearon formas nuevas de escritura musical en las que se rompía con toda regla. El serialismo, la dodecafonía, la frecuencia 432(microtonal) y muchos más descubrimientos ayudaron a la música a tomar otro nivel de perspectiva.

El alemán, Karlheinz Stockhausen, llegó a tal grado de experimentación y composición que logró una pieza muy interesante. Se las presento a continuación.

 

 

¡Música contemporánea en Paax Sound, señores!

Aunque es difícil de digerir, siento que el contexto social de hoy en día suena muy parecido a lo que acabamos de escuchar.

 

¿Ustedes qué opinan?

 

Hasta aquí con la breve información. ¡Espero les interese el tema!

 

Josh

Frecuencias importantes en la música.

Buen inicio de semana, lectores felices de Paax Sound. En alguna ocasión hablamos ya de la producción y de muchos de los procesos que ésta conlleva. Hoy les quiero hablar de una parte importante de ella. Comencemos.

¿Recuerdan la parte en que elegimos la mezcla? Es aquélla donde decimos qué instrumento va a qué volumen o si va más a la derecha, a la izquierda o al centro, etc. El punto es que todos los sonidos se entiendan claramente y no choquen entre sí. Algo que puede ayudar es saber qué notas toca cada uno de los instrumentos, así no se contaminarán. En palabras de ingeniero, estaríamos hablando de frecuencias.

Si no tienen idea de qué hablo, les comparto la siguiente imagen. Contiene los rangos de varios instrumentos.

Ahora que lo saben, podrán entender mucho mejor cómo se realizan las mezclas, y si son ingenieros, pueden comentar qué les parece esta tabla y qué tan acertada es.

Sigan con nosotros y pórtense como sean felices.