Archivo del sitio

Los libros de Stilkey

¡Hola a todos y a todos! Es un gusto poderlos encontrar por este espacio en esta nueva semana que empieza con un día de puente/descanso que aligera el resto de la jornada semanal. Sea lo que sea que se encuentren haciendo en este día, su servilleta les presenta la obra de un artista que encontró su fuente de inspiración y su lienzo en los libros. <así es que comencemos con algunas imágenes y en seguida les cuento más.

 


 

 

Bien, esta serie de figuras formadas por pintura sobre las costillas de libros apilados, es parte de los proyectos que el artista  de Los Ángeles, Mike Stilkey se ha encargado de desarrollar a través de los años. Su obra se ha expuesto en diversos puntos de Estados Unidos y el mundo, como  el Bristol City Museum en el Reino Unido, LeBasse Projects  en Kinsey, el  David B. Smith Gallery en Denver, entre otros.

 

 

 

La idea de poder hacer pinturas-esculturas con las costillas de los libros, se dio por casualidad, cuando el buen Stilkey, se dedicaba a hacer diseños en los que utilizaba libros viejos y buscaba en su interior pistas de los lectores que habían pasado por ellos en los papeles o notas que dejaban. Al apilar los libros, se dio cuenta que pintar el lomo también podría tener su gracia y dar una nueva vida a los libros.

 

 

 

Por otra parte, este artista realiza su obra utilizando una mezcla de tinta, lápices de colores, pintura y fijador para el cabello, aka spray, laca o como ustedes lo conozcan. Además, los seres formas y figuras que desarrolla son una serie de personajes que habitan espacios ambiguos y que remiten a la fantasía y cuentos de hadas.

 

 

Por último, dentro de sus obras, lo que constantemente se puede percibir, es la profunda nostalgia de los diseños, delimitada por los colores, las miradas y las formas de los personajes. Mike Stileky nunca deja de lado el misterio y autodefine a cada uno de sus trbajos como parte del expresionismo alemán.

 

 

 

Compañeritas y compañeritos, por este día es todo, ¿qué les pareció? A continuación les dejo la página en la que pueden seguir viendo sus trabajos y proyectos.

http://www.mikestilkey.com/#home

 

Como siempre, es un gusto poder contar con ustedes, los espero el jueves con más.

 

Rose Ü

 

 

Jeremy Geddes sobreviviendo en el espacio

Pues en un abrir y cerrar de ojos, llegó jueves y nada me da más gusto que poder compartir con ustedes una entrada más, compañeritos. Este día les presento un poco acerca del trabajo de un artista de origen australiano, que se caracteriza por llevar y elevar o hacer flotar al hiperrealismo de cada una de sus obras. Damitas y caballeros; con ustedes Jeremy Geddes.

¿Qué tal, qué opinan? Bueno, pues lo que acaban de ver, como les comenté al principio, pertenece a Jeremy, estas imágenes son de una serie de pinturas que el artista ha desarrollado a lo largo de su carrera. Como en varias ocasiones he hecho mención, este pintor hiperrealista, busca retratar la realidad, a través de pinceles, lo más apegada posible a lo que el ojo percibe físicamente. En muchas ocasiones, esta corriente, busca superar a lo que se congela dentro de una imagen fotográfica. SU trabajo le ha valido reconocimientos tales como el Spectrum Gold, el Crichton Award, el Aurealis Awarad, entre otros.

Les cuento, son los paisajes urbanos y la perfecta iluminación que suele haber en estos espacios, los que le sirven de inspiración para poder situar cada una de sus obras, que expresan cuán complejo resulta vivir en un ambiente donde lo que más impera es la colectividad que se ignora a sí misma para salir adelante.

Cabe destacar que este artista se encarga de mezclar muy bien la idea de la vida con la gravedad, en la que la imagen y el personaje principal, en sí, se ven envueltos en un ambiente en el que se flota, la persona se vuelve débil y ligera pero con una postura que denota protección y resistencia ante lo que está experimentando. Sus imágenes, sin duda, muestra la complejidad que representa para el ser humano la supervivencia emocional en el espacio, en un espacio…

Por último, en la mayoría de los trabajos de Jeremy aparece la figura de una paloma blanca que impacta al cuadro y genera todo esta revoltura de ideas en las que se encuentran contrapuestos sinónimos y antónimos; levedad, pesadez, fuerza, debilidad, etc. Esta podría, de cierta forma, ser la figura libertaria que ayuda a los personajes a romper con el entorno en el que se encuentran y a acabar con los esquemas establecidos, también podría ser la fuerza misma que les ayuda a mantenerse flotando, o por su contraparte, podría ser quien aflige y corrompe la estabilidad que los hacía permanecer centrados.

En fin, para que sigan indagando o tratando de encontrar significados sobre las imágenes que están viendo, aquí les dejo la página del artista y espero la disfruten. Más allá de abrir los ojos; abramos la mente, las ideas, la curiosidad y la creatividad 😉

Compañeritas y compañeritos, por hoy, y por esta semana, es todo. Yo les deseo que pasen un excelente día y un gran fin de semana en compañía de quienes valen la pena y los hacen sentir felices, o si su gusto es aquello de la soledad, pues también a disfrutarla. Yo les mando un abrazo muy fuerte y los espero en este espacio el próximo lunes 🙂

Rose Ü

McGingley para este fin de semana

Bueno, pues la semana sigue avanzando y llegamos a jueves y qué  mejor que pasar un buen momento leyendo y observando lo que este espacio y esta entrada tiene para todos ustedes. Hoy, su servilleta les presenta un poco acerca del trabajo fotográfico de Ryan McGingley. Sí, así es, las dos entradas de esta semana van dedicadas a la fotografía, así es que bienvenidos sean todos ¡arrancamos!

 

 

 

Les cuento, Ryan McGingley es un artista nacido en el año de 1977 en New Jersey que estudió diseño gráfico. A la edad de 26 años se convirtió en el artista más joven en tener una exposición individual en el Museo Whitney de Nueva York y desde entonces, se ha dedicado a trabajar en proyectos diversos que le han ganado el reconocimiento a nivel internacional y que cuentan con características específicas que a continuación les cuento.

 

 

Bien, el trabajo fotográfico de McGingley, suele presentar las figuras de modelos y amigos jóvenes desnudos que tocan lo erótico pero que rayan en lo inocente, que de momento parecen espontáneas y casuales, pero que se encuentran calculadas y presentan un encuadre y composición característicos.

 

 

Nuestro querido Ryan, suele trabajar con película, es decir, deja lo digital a un lado y su fiel compañero es el método analógico que captura en sus rollos de 35 milímetros y que muestran un trabajo, principalmente a color, verdaderamente llamativo que convierte a cada imagen en un escenario distinto aunque el tema principal sea el mismo: el ser humano desenvolviéndose en un ambiente natural.

 

 

 

 

Las imágenes que ustedes están viendo, pertenecen al apartado de Animals, en ellas el cuerpo humano participa como apoyo dentro de un ambiente animal, es decir, el cuerpo, las formas y líneas de este, se ven delimitadas por la característica de ser objeto de observación a partir del sostén que brindan, el cual se ve reforzado por las “heridas” en la piel de cada una de las personas, en las que se entiende que fueron hechas por los animales que aparecen en el cuadro.

 

 

 

Dentro del cuadro, también se observa que el trabajo se ve altamente determinado por los tonos pastel de los fondos de cada escena, los cuales, se encuentran perfectamente contrastados con el tono de piel, cabello y color de las personas y animales. Además, los detalles a los que más se enfoca el artista es a los de las características de los animales, es decir, los ojos, las plumas, los colores e incluso los rasguños sobre las pieles de los hombres y mujeres, son los que primero se perciben.

 

 

 

Ojo, cabe destacar que los animales conviven con el ser humano, como lo dije al principio, para hacer uso de este como apoyo, aunque llega un momento en que la figura fuerte, es decir, la de la criatura, gana fortaleza, aplasta a la humana (que a momentos funge como tronco) o se convierte uno en parte de otro.

 

 

Pues bien, por esta semana es todo de mi parte, compañeritas y compañeritos. Esta ocasión sí les dejo la página del artista para que observen más de su trabajo, como siempre, los invito a que la visiten, a que vean sus imágenes y a que formen sus propias ideas.

http://ryanmcginley.com/

 

Yo me despido deseándoles un excelente fin de semana, disfruten cada día y nos encontramos por este espacio el martes entrante!

 

 

Rose Ü

 

Noell S. Osvald

¡Hola a todos! Empieza la semana y septiembre ya está en su segundo día. En esta ocasión les quiero presentar un poco acerca una serie fotográfica de Noell S. Osvald quien a su corta edad está logrando gran reconocimiento. Así es que sin más preámbulos, les dejo estas imágenes, échenles un ojito y en seguida continuamos 🙂

Bien como les comenté al principio, el trabajo que acaban de ver pertenece a la fotógrafa de origen húngaro Noell S. Osvald, quien a la edad de 22 años ha ganado notoriedad por la calidad de sus trabajos. Es poco lo que se sabe de ella, pero es mucho lo que se puede hablar de sus imágenes que juegan perfectamente con diferentes elementos.

En primer lugar, dentro del aspecto técnico, todas las imágenes están delimitadas por el blanco y el negro en algunas, existen apenas algunos elementos de color que resaltan dentro del cuadro y que hacen más atractiva la composición y el impacto que esta genera sobre uno.

Por otro lado, se percibe de inmediato que los mensajes o ideas que resalta la artista dentro de cada una de sus imágenes, tienen que ver no con el ser humano en general, sino con la mujer específicamente y la naturaleza, que en su mayoría (casi totalidad) está vinculada al mundo animal.

Esta unión se lleva a cabo por elementos tales como las sombras o algún aspecto similar, que hacen que se identifiquen claramente. En las imágenes de esta artista, se puede apreciar la habilidad con la que esta cuenta para jugar con las formas y los escenarios para crear paisajes bellos y armónicos que imprimen estampas, algunas veces llenas de serenidad y otras, llenas de fantasía.

Ojo, dentro del aspecto de la figura femenina, en la mayoría de las imágenes, esta se encuentra de espaldas, no se reconoce ni se ubica la cara o rasgos que puedan definirnos expresiones o incluso estados de ánimo. Sin embargo, se puede entender claramente que la delgadez y postura de los cuerpos (que se encuentran completamente descubiertos del torso) expresan cierta vulnerabilidad aún más reforzada por los tonos negros de la imagen.

Ya para finalizar, cada una de estas fotos, están estrechamente relacionadas con aspectos oníricos, es decir, remiten al espectador a un mundo que es posible en los sueños o en un mundo surrealista en donde el vínculo entre ser y la naturaleza, a veces, en vez de ser algo bellamente tranquilo, es algo un tanto angustiante porque lo natural supera o incluso acosa a la protagonista, quien se encuentra encorvada o en posición fetal, no enfrenta pero tampoco acepta, se une, eso es cierto pero se ve superada puede ser en tamaño, forma o cantidad por el entorno natural.

En fin, qué les pareció, compañertos. Aquí les dejo más imágenes captadas por el ojo de esta artista. Yo me despido y como siempre, los espero aquí el próximo jueves. Pasen un excelente día y Ayós!

 

Rose Ü

 

Latte Art para despertar

Hola a todos y bienvenidos a una entrada más de su servilleta. Llegamos al jueves y la energía baja un poco y el cansancio suele hacer de las suyas, pero esta vez, para acompañar bien al día, ¿por qué no un poco de diseños en manos de Kazuki Yamamoto y un buen latte para despertar? Así es compañeritos, este día les presento un poco del Latte Art así es que comencemos… 🙂

Observar figuras con espuma de leche en un buen café es algo que poco a poco está cobrando fuerza. De manera anónima o reconocida, el hecho de poder disfrutar de una buena taza de esta bebida, no sólo con el gusto sino con la vista, se ha convertido en una de las mejores presentaciones en cafeterías de todo el mundo.

Baristas de todo el mundo, se han encargado de hacer de un simple instante, algo especial a través de la presentación. Sin embargo, al convertirse esta práctica en algo muy cotidiano, los corazones, las plantas, los soles, lunas o estrellas, resultan ser las figuras mayormente representadas.

Lo anterior es algo que Kazuki Yamamoto, joven de 26 años no conoce. Este barista, residente de Osaka, se ha encargado de marcar diferencia con sus diseños pues crea con un simple palillo y la espuma imágenes en tres dimensiones que desafían la gravedad, tal como ya lo han visto. Cada una de sus figuras es tan increíble, que seguramente, antes de querer beber el café, uno lo pensaría mil veces. Cabe destacar que este joven también trabaja con diseños “planos” que son bastante originales.

Bien, para muchos esto puede ya no parecer algo relacionado al arte, sin embargo, creo que el hecho de poder encontrar incluso en las cosas más comunes o cotidianas, material para expresarse y combinarlo con creatividad, resulta una práctica que pocas veces ponemos todos en marcha. Puede o no gustarnos, pero es bueno no pasar por alto que los detalles y las reproducciones que hacen estas personas, llevan consigo ingenio y una manera distinta de decir lo mismo que se ha venido diciendo con el tiempo.

¿Qué tal, se animan a despertar este jueves? Por hoy es todo, yo los dejo con más imágenes del “Latte Art” de Yamamoto y los invito a que nos encontremos nuevamente el próximo lunes. Pasen un excelente fin de semana, sonrían mucho yyyyy ¡hasta la próxima!

Rose Ü

Tim Flach

¡Chicas, chicos! Nuevamente es lunes y nos volvemos a encontrar en este espacio. Espero que todo este comenzando de maravilla y que la semana sea muy productiva para todos. Esta ocasión les traigo un poco sobre el proyecto fotográfico de un artista que se ha encargado de retratar  su fascinación por la naturaleza y el reino animal. Especialmente, les presentaré un poco de su trabajo con perros así es que sin más, les dejo las primeras imágenes.

Tim Flach, es un fotógrafo que nacióen Londres en el año de 1958. Con el paso del tiempo se ha ganado un gran reconocimiento por sus retratos de animales. Su trabajo ha sido descrito como “un potente ejemplo de un fotógrafo entrenado en la fotografía comercial que ha alcanzado una audiencia global a través del boom de la fotografía artística” y se ha encargado de presentar varios libros: “Equus”, “Dogs Gods” y “More Than Human”.

Este fotógrafo británico ha trabajado para National Geographic, Cirque du Soleil, Hermès, entre otras publicaciones también. El ha expresado en repetidas ocasiones que lo que más le gusta de tomar fotografías de animales es el hecho de que siempre trata de buscar (y al menos, personalmente creo que lo logra) una conexión animal/humano pues se ha percatado que la gente tiende a humanizar las imágenes que ve de un animal, creen saber lo que un este está pensando porque se reflejan en él.

Pues bien, como se puede observar en cada una de la imágenes, cada figura posee cierta peculiaridad y esto gracias a la gran capacidad que tiene  el fotógrafo de captar detalles y engrandecerlos, dentro de cada ser, para dotarlo de singularidad. Este hombre, quien usa un fondo oscuro, una iluminación de estudio e, indudablemente, tiene una gran capacidad de tratar con animales, logra, que cada animal, dentro o fuera de su entorno (porque también retrata en exteriores) posea una similitud o un punto de identificación con el ser humano.

En fin, la habilidad que tiene este artista se traduce en experiencia, en practica y en dedicación, características que le han permitido publicar tres libros en los que se ven perfectamente delimitados estos detalles que lo colocan en el reconocimiento internacional.

Creo que es mucho más lo que ustedes pueden observar que lo que su servilleta les puede decir con respecto a este artista, así es que los dejo disfrutando un poco más de estas imágenes, no sin antes invitarlos a que visiten su pagina. Aquí les dejo la liga de su pagina y más fotos.

http://www.timflach.com/

Compañeritas, compañeritos, los encuentro aquí el jueves con más cuestiones visuales, me despido y les deseo una excelente semana!

Rose Ü

Con hilos y botones

Pues sí, la semana se está yendo y para hacerla más agradable, hoy les muestro un poco de esculturas realizadas con botones. Compañeritas, compañeritos; si creían que estos pequeños objetos sólo tenían la utilidad de “cerrar”, “abrochar” o “adornar” unos cuantos trozos de tela, hoy, el artista argentino Augusto Esquivel, su creatividad e imaginación, se encargan de mostrarnos que no es así.

Bien, este artista se encarga de desarrollar esculturas en tercera dimensión a base de hilos y botones de distintos colores y tamaños, cabe destacar que las obras que desarrolla, están directamente relacionadas con los objetos reales y familiares que todos asociamos a cierta definición y que conocemos, es decir, sus proyectos distan por completo de lo abstracto y es por eso que podemos encontrar desde una sencilla flor hasta la reproducción de La Mona Lisa de Da Vinci.


Por otra parte, desarrollar esculturas a partir de un objeto tan sencillo e incluso intrascendente en la cotidianeidad, retoma la idea de la reinterpretación, es decir, se le encuentra una nueva utilidad y se aplica. También cabe destacar que la el punto de la singularidad y la unión, son lo que más rescata el artista dentro de su obra, pues él indica que un botón de costura simple puede parecer insignificante y pequeño cuando se pone en una caja de costura de la abuela, pero al mismo tiempo puede ser muy singular y valioso como parte de una obra de arte.

Partiendo de lo anterior, se puede entender que cada botón, cobra una estratégica importancia dentro del acomodo en la obra y recobra aún más valor formando parte activa de la escultura.

“Un objeto, aparentemente sólido, a la vista también puede ser frágil e inconsistente, al tacto. Un objeto común utilizado para crear una obra de arte se transforma en algo complicado e intrigante. Al igual que un átomo en una molécula, cada botón sirve y da forma al conjunto”

Ya para cerrar, les comento que este artista también fija su trabajo en la idea de caos y orden, la cual se encuentra perfectamente representada en la forma en la que físicamente están acomodados los botones a lo largo de los hilos y que si llegáramos a apreciar de cerca, ciertamente reforzarían el desorden. Sin embargo, al observar la escultura desde cierta distancia y en cierto punto, es cuando el conjunto de botones forman, de manera ordenada una figura o cuadro.

Bien, compañeritas, compañeritos; por hoy esto es todo. A continuación les dejo el link de la página del buen Augusto para que le piquen y le sigan echando un ojito a sus obras desde 2011.

http://www.augustoesquivel.com/

Les mando un abrazo muy fuerte, pasen un excelente fin de semana y les recuerdo que los espero aquí el próximo lunes.

Rose Ü

Mademoiselle Maurice

Compañeritas, compañeritos; bienvenidos a este espacio, espero que su lunes vaya de maravilla, que la semana vaya comenzando de buena manera y que se encuentren listos para distraer su vista un ratito de todo aquello que los mantiene un poco en la monotonía de su día. A continuación les presento un estilo de intervención urbana muy peculiar y creativa, así es que, comenzamos.

Bien, lo que ustedes acaban de observar pertenece a Mademoiselle Maurice, una artista de origen francés que se ha interesado por la literatura y simbología japonesa y que ha descargado este afición en intervenciones urbanas creadas a partir de papeles de diferentes colores, diversos dobleces y muchas figuras formadas por las calles de distintos lugares.

Así es, la base del trabajo de Mademoiselle Maurice parte del origami y los mensajes de paz, alegría y tranquilidad para todo el globo terráqueo que deja en cada uno de los muros en los que diseña y ejecuta sus obras.

Después de los eventos de marzo de 2011, con la explosión de la planta nuclear en Fukushima, esta artista quien se encontraba de visita en aquel país, decidió comenzar este proyecto a partir de la investigación de sus creencias, literatura, símbolos y significación de los mismos.

Ella menciona que cada uno de sus trabajos “son un tributo a todas las víctimas de las acciones violentas en nuestro mundo. El mensaje es duro, pero decirlo de una manera oscura no es necesario para mí” y es por esta razón, que se entiende la razón de tantos colores, el papel y las figuras que se forman.

Cada una de las creaciones de Mademoiselle dura poco, por lo general, lo que el clima y los transeúntes le permitan existir. “Quiero que mis instalaciones sean pasajeras. Ellas representan la existencia humana que, de hecho, es transitoria. Y esa realidad me lleva a no darle tanta importancia a mi trabajo”.

Bien, por último, les comento que cada una de las intervenciones e instalaciones que esta artista ha desarrollado en diferentes lugares partes de una idea distinta pero siempre toma en cuenta el mismo punto: el ser humano. Por ejemplo, La instalación de Vietnam está basada en la estrella de su bandera nacional, que representa a sus habitantes: granjeros, estudiantes, trabajadores intelectuales y soldados. Mientras que la instalación de Hong Kong es un mensaje de la libertad de espíritu de los habitantes, animándolos a mantenerse tan independientes como ellos lo deseen.

¿Qué tal les pareció, damitas y caballeros? Esta ocasión les adjunto un video para que vean cómo desarrolla sus proyectos esta francesa y para que sigan formando sus propias ideas respecto a lo que observen 🙂

Yo me despido deseándoles una excelente semana y recordándoles que los encuentro aquí el próximo jueves.

Rose Ü

Jueves con tijeras, patrones y papel

 

¡Hola a todos! Es un gusto poderlos encontrar en este espacio nuevamente y poderles mostrar, como cada día, nuevos artistas y sus proyectos. Este día no es la excepción y espero les agrade lo que están por ver. Así es que, compañeritas, compañeritos, alisten los ojos que en esta entrada el papel, las tijeras y la creatividad serán protagonistas.

 

 

 

Bueno, los trabajos manuales que acaban de ver pertenecen a la artista de origen australiano nacida en 1978, Emma Van Leest. Esta mujer estudió Bellas Artes en la Universidad RMIT de Melbourne y lo anterior le ha ayudado a desarrollar su trabajo de la forma en la que lo hace.

 

 

Emma ha exhibido sus proyectos de mundos en miniatura de manera individual y colectiva, dicho sea de paso, estos han visitado diferentes puntos dentro de Australia y aunque poco, también lo han hecho en parte del extranjero, por ejemplo, en La India. Cabe destacar que cada una de las historias que desarrolla esta artista, sigue la misma línea estética en la que las curvas y los patrones están siempre presentes.

 

 

Como lo indiqué al inicio y a lo largo de las imágenes que les he presentado, el trabajo de nuestra querida Van Leest está limitado al papel, las tijeras o navajas sencillas, principalmente; de ahí, el pegamento y las imágenes de las que parte para poder entregar este repertorio de historias y paisajes elaborados en los que la dedicación y el tiempo invertido con completamente perceptibles.

 

 

Bien, cabe destacar que cada uno de las entregas de esta artista se basan en imágenes y paisajes tradicionales de la pintura y el dibujo asiático, aunque no descarta y también echa mano de paisajes botánicos, imágenes de revistas, fotografías o recuerdos de los lugares que ha visitado en diversos viajes que ha realizado.

 

 

 

 

En cuanto al material y el por qué de este la artista explica que el hecho de emplear papel no parte de otra idea más que el hecho de que simple y sencillamente cotidiana, si no es que diariamente, hacemos uso de este para poder plasmar ideas, sentimientos, pensamientos, palabras o información importante; elementos que encajan perfectamente también en sus series de papel.

 

 

 

Por otra parte, es necesario también tomar en cuenta el trabajo que desarrolló Emma previo al resultado obtenido, es decir, el hecho de dibujar o seleccionar las imágenes que ella tiene ya guardadas y que sirven de plantillas en cada trabajo y comenzar a cortar, de acuerdo a la idea que ya tiene planeada y a las dimensiones del espacio, son sólo una pequeña parte del proceso que desemboca en estas series.

 

 

En fin, cabe destacar que también en la manera de elaboración, cada trabajo no está hecho de manera plana, es decir, cada cuadro está formado por diversas capas en las que se entiende un poco la interacción entre el medio y los personajes (en caso de incluirlos) o del paisaje mismo (plantas, árboles y arbustos en planos diferentes).

 

 

Por último, es necesario mencionar que el proceso de elaboración depende de la complejidad de cada cuadro, es decir varía mucho, por ejemplo, crear un pequeño paisaje que no requiera de definir ni detallar meticulosamente los elementos, le puede llevar media hora, aproximadamente, sin embargo, por otro lado podemos encontrar piezas en las que Emma ha invertido hasta seis semanas. Cabe destacar que este proceso lleva consigo varias etapas en las que se redefinen las imágenes, se componen, hay errores y demás.

 

 

¿Qué tal, qué les parecieron estos trabajos? Si hacer “mantelitos” o “papel picado” en la escuela era o es parte de una de sus desarrolladas habilidades, entonces que la práctica y la constancia los lleve a perfeccionarse para realizar cosas como estas o mejores, compañeritos 😛

 

 

 

Compañeritas, compañeritos, ha sido un placer poder contar con ustedes un día más, por hoy es todo, me despido mandándoles un abrazo fuerte, invitándolos a que nos encontremos en esta revista el próximo lunes y lo más importante, dejándoles el link de la página de esta artista australiana.

http://www.emmavanleest.com/home/

 

Rose Ü

Lunes con sal

 

Bienvenidos de nuevo a este espacio, compañeritos. Sí, la semana va comenzando y nada mejor que aprovechar el momento para mostrarles imágenes de un trabajo que está sumamente relacionado con la temporalidad y que impacta por su proceso de elaboración y por el material con el que se desarrolla así es que, damitas y caballeros, este lunes les presento a Motoi Yamamoto.

 

 

 

 

Lo que ustedes acaban de apreciar es parte de la obra de este artista de origen japonés nacido en el año de 1966. Con el paso del tiempo, sus trabajos se han presentado en diversos lugares tanto nacionales, como internacionales, como Francia, Alemania, Hamburgo y Estados Unidos, por supuesto.

 

 

Bien, si seguimos analizando, como al inicio lo mencioné, estos trabajos tienen consigo la característica de ser formados a partir de un material muy singular, es decir, de sal. Y si, la forma de trabajar sus formas, laberintos y figuras con este elemento, lo dotan de cierta singularidad no sólo por esta cuestión.

 

 

Para ser muy honesta, he de confesar que conozco poco de la simbología y significación de muchas cuestiones orientales, en este caso, de la sal. Sin embargo, investigando un poco y tratando de ver el trasfondo de todas estas creaciones, me encontré con la información de que, en el continente asiático, este compuesto, suele relacionarse con la purificación y depurar toda la maldad.

 

Específicamente, el buen Yamamoto, ha declarado que “La sal parece tener una estrecha relación con la vida humana más allá del tiempo y el espacio”, además de que “Por otra parte, sobre todo en Japón, es indispensable en la cultura de la muerte.” Esto último (encontrando un poco más en mi búsqueda) tiene que ver con el hecho de que las personas que asisten a un funeral en Japón, son salpicadas con sal al final de este con la intención de alejar el mal.

 

 

 

 

Si bien esto puede parecer enredado, el artista lo ha declarado en repetidas ocasiones y sustenta perfectamente el hecho de las formas y figuras, además del interpretativo en estos trabajos que, como ya había mencionado antes, se encuentran ligados al concepto de temporalidad.

 

 

 

 

Esta idea del tiempo y las obras de arte del buen Motoi encuentran su punto de unión en una experiencia personal que le ayuda a desarrollar este tipo de patrones; la muerte de su hermana de 24 años a causa de cáncer. Las formas y causes que este artista estructura, reflejan su dolor. “Creo que la sal envuelve el recuerdo de las vidas”. Con respecto a los patrones y formas que son representadas, la intención que se busca generar es la de eternidad, de ciclos sin fin y largos caminos por recorrer.

 

 

Ahora bien, ya para finalizar les comento que, como detalles técnicos, la sal que el artista utiliza, al finalizar una exposición, pide que sea llevada al océano ya que dice, le gusta pensar que lo que empleó para sus obras de arte, puede ayudar y formar parte de uno o diversos seres en algún otro lugar. Por otra parte, los caminos que crea, los comienza de la parte posterior de la obra hacia delante con una botella de plástico que va aspirando algunas cantidades de sal, de esta manera, evita pisar sus cuadros.

 

 

¿Qué les pareció este trabajo? En verdad creo que entre paciencia, conciencia espacial y significación otorgada a cada trabajo, el conjunto de obras son verdaderamente increíbles. Como suelo hacerlo, aquí les dejo la página de este artista, échenle un ojito que en verdad no se arrepentirán 😉

http://www.motoi.biz/english/e_top/e_top.html

 

Compañeritas, compañeritos; los encuentro en este espacio el próximo jueves con más cuestiones visuales. Sí, así es, ya cambiamos horarios, de ahora en adelante, espero me puedan acompañar todos los lunes y jueves 🙂 Tengan un excelente inicio de semana!

 

Rose Ü