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Una Marimba Brasileira

– Rosana Díaz

 

¡Hola, amigos! Hoy les voy a presentar a un artista que conocí hace poco y de cuya existencia, casi estoy segura, la mayoría no está al corriente. No es que quiera sonar pedante, lo que pasa es que éste es uno de esos casos en los que un gran talento es dejado de lado por los principales medios de comunicación. Yo advertí su existencia por accidente, cuando leí una minúscula nota que salió en Sinembargo (un periódico en línea) el 26 de junio de este año, sobre el 2º Concurso Latinoamericano de Marimbista en Chiapas. En esa edición, el artista homenajeado fue Ney Rosauro, el hombre tema de este artículo.

 

 

Ney Rosauro nació en Río de Janeiri, Brasil, el 24 de octubre de 1952. Según su propio testimonio, el primer instrumento que aprendió a tocar fue la guitarra a los 12 años, y para cuando tenía 18 ya estaba viviendo de tocar la guitarra, la mandolina y el bajo eléctrico en clubs nocturnos de Brasilia. Poco después entró a la “Universidade de Brasilia” para estudiar composición y conducción. Durante sus estudios ahí aprendió a tocar el piano, el violín, el oboe, la flauta y el contrabajo. Sin embargo, fue en su último año antes de graduarse que tuvo el primer contacto con los instrumentos de percusión, lo cual vino a dar un giro a su perspectiva: desde ese momento concentró todo su entusiasmo en las posibilidades que ofrecían las percusiones.

En 1980 recibió una beca por el gobierno alemán para estudiar percusión y pedagogía, y fue en aquel tiempo que comenzó a escribir sus primeras piezas para ese tipo de instrumentos. Seis años después presentó su “Concierto para Marimba y Orquesta” como parte de su proyecto de graduación de la maestría. Hoy en día, ésta es considerada la pieza más importante jamás escrita para la marimba, además de que ha sido el concierto para percusión más interpretado por orquestas de todo el mundo.

Actualmente es un compositor y artista freelance, con más de 50 piezas de percusión y varios libros de música bajo su autoría. Tiene, además, un doctorado por la Universidad de Miami, lugar en el que se enfocó a estudiar el estilo jazz que ha influenciado tanto su trabajo. Por otro lado, de 1987 al 200 fue director de la Universidad Federal de Santa María, RS en Brasil, y del 2000 al 2009 director en el área de Estudios de Percusión de la Universidad de Miami, E.U.A..

 

 

Con esa biografía, supondrán que picó mi curiosidad e inmediatamente corrí a escucharlo. En efecto, me gustó y mucho, pues, además de la belleza de sus piezas, fue un gustazo para mi oído el escuchar el refrescante sonido de la marimba. Y digo refrescante porque, a pesar de ser un instrumento del que todos hemos oído hablar, difícilmente hemos escuchado piezas de tal complejidad y exquisitez, hechas especialmente para ella (sin ofender a los marimbistas de restaurante, que conste).

Con esto me despido, dejándoles la grabación en vivo del primer movimiento de su “Concierto para Marimba y Orquesta”, interpretado por Roland Härdtner. Tengo la esperanza de que, así como me pasó a mí, ustedes también se tomen un momento para volver a apreciar la marimba, un instrumento muy querido por la música latinoamericana.

 

 

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Grandes bajistas de J-Rock

Tercera Parte.

¡Hola! ¿Cómo están? El fin de semana por fin ha llegado. Llegó el momento de relajarse, pasarla bien y darse el tiempo de leer las diferentes secciones que tenemos para todos ustedes.

Hoy terminaré de platicarles un poco de algunos bajistas de renombre. Vale la pena que les demos una checadita. La gran mayoría me ha influenciado para tocar.

Bueno, comencemos.

Tetsuya Ogawa 

Tetsuya, antes conocido simplemente como Tetsu, ha sido, desde hace más de veinte años, el líder y bajista de una de las bandas más famosas fuera del país asiático. Me refiero a L’Arc-en-Ciel.

Éste fue el primer bajista japonés que yo llegué a escuchar. En su momento, fue una revelación enorme, debido a la perspectiva que tienen los japoneses en general del bajo eléctrico. Occidentalmente, podríamos decir que el bajo es un instrumento muy de funciones rítmico-armónicas; es decir, mucho “Groove”, acompañamientos, base, etc. Muy clásico el asunto. En los japoneses, éste no es del todo dogmático. Muchos bajistas son más “melódicos”; es decir, cumplen con lo anterior, pero también usan mucho melodías, obligados, licks. De alguna manera, es algo más “contrapuntístico”. Tetsuya es uno en los que más se puede notar esto que les estoy diciendo.

Tetsuya es un bajista que ha sabido mantenerse fiel a su estilo en más de dos décadas como músico, pero sin dejar de ser ecléctico con la evolución de la música de su banda y de sus proyectos solistas. Ha abarcado géneros como el electro-pop, el rock, balada, gótico, hard rock y muchos otros.

Aquí te dejo un poco de lo que ha hecho.  

Tetsuo Sakurai 

Tetsuo Sakurai no es un bajista conocido por muchos fanáticos del rock japonés, pero es, sin duda alguna, uno de los más importantes dentro de la historia de Japón. Es conocido y admirado por músicos del todo el mundo por su trabajo con una de las bandas de jazz fusión más importantes de Asia y del mundo, Casiopea.

La discografía de Sakurai es muy extensa. Entre Casiopea, y otras bandas, así como en su trabajo como solista, ha lanzado más de 30 producciones, en las que abarca el jazz, fusión, rock, funk, bossa nova, latin; rompiendo el mito de que los asiáticos no pueden interpretar música latina, por ser, supuestamente, poco “emocionales”.

Además de ser uno de los bajistas más reconocidos dentro del medio en la música occidental, ha tenido colaboraciones con músicos de la talla de Dennis Chambers, Greg Howe, Akira Jimbo y Michael Brecker, entre muchos otros. Esto es lo que lo coloca no sólo lo pone como uno de los grandes bajistas de Asia sino del mundo.

Aquí te dejo un poco de su música.

Esto es todo por hoy. Nos leemos el próximo miércoles. Espero que tengan una magnífica semana. Déjame tus comentarios en mis páginas de redes sociales; twitter: Alejandro_Najar y/o facebook: /Alejandro.najar3

Cuídense mucho. Yo soy Najar y me despido de todos ustedes con un:

“Síganse divirtiendo”

Instrumentos musicales tradicionales de Japón pt.4

 

¡Hola! ¡Por fin es sábado! Yo sé que es su día favorito porque estaban desde el miércoles esperando mi siguiente publicación; no los culpo. Ya, fuera de bromas, qué bueno que nos leen tanto a mis compañeros como a mí. La verdad, nos gusta mucho hacer esto.

La vez pasada les prometí que con este artículo terminaba con los instrumentos tradicionales y lo prometido es deuda. Hoy te tengo los últimos dos. Aclaro, hay más, muchos más, pero, con éstos dos terminaremos esta breve y espero que ilustrativa introducción a los instrumentos tradicionales.

Taiko 

Taiko es un tambor de gran tamaño, de hecho, su nombre significa justamente eso, “gran tambor”. Tiene un diámetro de 1.3 metros y un peso de alrededor de 300 kilogramos, lo que hace que el tambor esté siempre sujeto al piso en un mismo sitio. Imagínense tener que andar moviendo semejante cosa de un lugar a otro.

Este tambor tiene un uso principalmente ceremonial; es común escucharlos en eventos como el “Aki Matsuri”, entre otras festividades. Yo he escuchando ensambles de taikos en eventos de la Asociación México-Japonesa, aunque también se utilizaba en la guerra, para marcar el paso de las tropas en la batalla.

Fuera de Japón, solemos llamar Taiko a cualquier tambor japonés, aunque debemos saber que esto no es del todo correcto, ya que existen otros tipos de tambores que reciben otros nombres, ya sea por su tamaño, fabricación e incluso el uso que se les da.

Dentro de taiko tenemos 2 grupos, uno llamado “Byou-uchi” y el “Tsukushime”. El primero consiste en que su parche (la zona donde se toca) está fijado al cuerpo mediante clavos; están hechos de trocos huecos y no se puede afinar. El segundo, se fija por medio de unos aros de metal y cuerdas cocidas, y sí puede ser afinado.

Dentro de cada uno de estos taikos, tenemos otros algunos que simplemente varían su tamaño o fabricación. Algunos son incluso juguetes. Otros son mucho más grandes y difíciles de transportar.

Hoy en día es un instrumento muy popular, tanto dentro como fuera de Japón. Grandes compañías de taiko viajan por el mundo mostrando espectáculos con ensambles de este tipo de tambores. 

Koto 

El Koto es tal vez el instrumento más famoso del país. Tiene su origen en un instrumento chino llamado Guzheng, que llegó a Japón por ahí del siglo VII.

El koto pertenece a la familia de las cuerdas, siendo lo más cercano a una arpa. El de 13 cuerdas es el más tradicional de todos, por no decir que es el estándar, aunque hay de 17, 23, 30 y hasta de 80 cuerdas.

La ejecución de este instrumento no es tan fácil como parece. Aunque es similar a un E-Bow, se toca usando tres plumillas que se ponen en los dedos pulgar, medio e índice de la mano derecha, mientras que en la izquierda se presiona la cuerda, dando la nota deseada.

La afinación del koto depende de unos puentes que se ponen debajo de cada cuerda, pero también de cada canción, haciendo que existan diferentes tipos de afinaciones. Algunos intérpretes utilizan varios kotos con afinaciones diferentes. Del mismo modo, su escritura es diferente a la nuestra de neumas y plicas. La lectura del koto es por medio de números o caracteres japoneses. 

Aquí te dejo un poco de música hecha con el koto.

Te deseo un excelente fin de semana. Déjame tus comentarios aquí. También te dejo mis páginas en redes sociales; twitter: @Alejandro_Najar y/o en facebook: /Alejandro.najar.3

Yo soy Najar. Nos estamos leyendo el miércoles.

Me despido de ustedes con un:

“Síganse divirtiendo”

Instrumentos musicales tradicionales de Japón Tercera Parte.

 

¡Hola! ¿Cómo estamos? ¡Por fin es miércoles!

Espero que todos ustedes se encuentren de lo mejor y que al igual que yo estén emocionados por esta nueva publicación. Como siempre, estamos aquí, con más y más información. En esta ocasión seguiremos hablando de estos tan interesantes y poco conocidos instrumentos japoneses. Hoy te traigo un par de mis favoritos.

Biwa 

La biwa es un instrumento similar a un laúd, de mástil o brazo corto, puede tener 4 cuerdas y 4 trastes, llamada simplemente, biwa, o de 5 cuerdas y 5 trastes que recibe el nombre de gogen-biwa.

A lo largo de la historia han existido otros tipos de biwa, algunos con mayor número de cuerdas y con afinaciones distintas, cada una con usos distintos. Si bien algunas eran sólo para acompañamientos; otras no debían llevar un cantante y otras eran usadas únicamente por los monjes.

El origen de la biwa se debe al instrumento chino llamado “Pi-pa”, que llegó a Japón por ahí del siglo VII y que se convirtió en uno de los instrumentos más populares de la isla, siendo muy común tanto en casas de nobles como en las manos de trovadores callejeros. A pesar de esto, el instrumento prácticamente desapareció a mediados del siglo XX, pero poco a poco se ha ido recuperando.

La biwa, al igual que el shamisen, se toca usando este tipo de plumilla o espátula de gran tamaño, que es uno de los factores a los que se debe su tan singular sonido. 

Erhu 

También llamado “violín chino”, este instrumento originalmente chino tiene más de 1000 años de existencia y, aunque su uso es principalmente en China, también suele usarse en otras regiones de Asia, como Japón y Corea. Se cree que vino de otro de nombre Xinqin.

Éste es uno de mis instrumentos favoritos, por su timbre tan característico, siendo tal vez uno de los más únicos que tenemos actualmente. Incluso otros instrumentos de la familia de las cuerdas frotadas no tienen una sonoridad parecida, haciendo del erhu uno bastante fácil de reconocer.

Es un instrumento de cuerda frotada; es decir, se toca usando un arco muy similar al de otros instrumentos de este tipo, como el violín, la viola o el cello. El nombre de Erhu significa, dos cuerdas, que son con las que cuenta y que se van de unas clavijas a una caja de resonancia. Las cuerdas tienen la afinación de D4 y A4.

El instrumento está fabricado principalmente de maderas como el sándalo y otras de las llamadas “maderas finas”. Su cuerpo tiene un recubrimiento de piel de pitón, que es lo que muchos aseguran le da su tan característico sonido (en la actualidad hay leyes que evitan el uso de este tipo de pieles, ya que no únicamente se puede usar piel de pitón criado en granjas para elaborar este instrumento). Las cuerdas también han variado en su material. Al inicio se usaba la seda, pero el tiempo ha hecho que se opten por otros materiales como el metal y el nylon, entre otros.

Tanto el instrumento como el arco tienen una longitud de 84 centímetros. Éste no ha tenido grandes cambios a lo largo de la historia, y a diferencia de otros, se toca sentado. 

Con esto terminamos por el día de hoy. Nos estamos leyendo el fin de semana, donde te hablaré de un par más de instrumentos. Yo creo que en el siguiente número terminaremos. A pesar de que hay más instrumentos, creo que con lo que abarcaré hasta la siguiente semana tenemos una muy buena introducción al tema.

Te deseo un excelente fin de semana. Déjame tus comentarios aquí o en mis páginas en redes sociales; twitter: @Alejandro_Najar y/o en facebook: /Alejandro.najar.3

Yo soy Najar. Nos estamos leyendo el sábado; yo me despido de ustedes con un:

“Síganse divirtiendo”

El micrófono de T-pain

¿¡Así que te gusta el Hip-Hop y siempre has soñado con hacer la voz de T-Pain!?

 

¡Pues ya es una realidad!

 

Les presento el Micrófono de T-Pain…

 

Así es, justamente como lo leyeron, ya está a la venta el Mic de T-Pain, el máximo exponente del Autotune. Ahora podrás rapear con tus amigos al beat de los tres tracks que vienen incluidos, además de poder grabar tus mejores rimas y después compartirlas en Facebook con todos tus contactos.

 

Presume a todos de que tienes todo el poder del Autotune en tus manos y que lo puedes llevar a todos lados para hacer bromas telefónicas, ligar chavas y espantar a tu abuelita.

 

¡Todo esto por $23 DLLS más impuestos!

 

¿¡Qué esperas para rapear con el dembow al son del fow como los grandes!?

 

¡Hasta la próxima!

 

Josh

FERNANDES GUITARS: INNOVATION & TRADITION

¡Hola!

Les deseo una excelente semana a todos mis lectores. Espero que se lo estén pasando de maravilla. Ya estamos prácticamente a la mitad del mes (¡qué rápido se va el tiempo!) y nosotros seguimos aquí en Paax Sound “chambeándole” durísimo.

Hace algún tiempo les comenté sobre una de las marcas de instrumentos más usadas por los artistas japoneses. Me refiero a la marca ESP. Hoy hablaremos de otra de las más usadas y, aunque el nombre diga una cosa, la empresa es japonesa. Hoy hablaremos de “Fernandes”.

Fernandes es una marca japonesa de instrumentos musicales fundada por ahí de 1969 en Osaka. Comenzó como una empresa que se dedicaba únicamente a la fabricación de guitarras “flamencas” con el paso del tiempo empezó a fabricar guitarras eléctricas, bajos, accesorios, etc.

Desde su fundación y durante las décadas siguientes, Fernandes se convertiría en el más grande fabricante de guitarras en aquel país asiático. Su lema es “Innovación y Tradición”, lo cual define acertadamente la ideología de la empresa.

En 1992 y debido al gran éxito, Fernandes abre una sucursal en Los Angeles, California.

Uno de los factores que ha hecho que la marca tenga tanta demanda y sea una de las preferidas por muchos músicos, es su famoso “Sustainer” ¿Qué es un sustainer? Se trata de un dispositivo (varía dependiendo el instrumento) que nos permite alterar la duración de una nota, aunque ésta ya haya sido dejada de pulsar; como su nombre lo dice, “sostiene” la nota. En este caso, es un sistema eléctrico que se basa en pastillas (imanes) que permite, por medio de electro magnetismo, dejar vibrando una cuerda indefinidamente.

Aquí te dejo un pequeño diagrama de cómo funciona. En realidad es bastante sencillo: las cuerdas, al vibrar, mandan una señal a las pastillas, éstas pasan por el circuito del sustain, que proyecta continuos impulsos magnéticos que hacen vibrar la cuerda.

Y aquí un video de algunos músicos, hablando de este tema. El video está en inglés.

Entre la lista de artistas que han usado esta marca o a su subsidiaria, “Burny, tenemos, por sólo mencionar algunos, a Billy Corgan, The Edge, Robert Fripp y Robert Trujillo. Además podemos encontrar artistas japoneses que tiene modelos exclusivos, como Hidehiko Hoshino y a Hisashi Imai de Buck-Tick; a Hide, Heath de X Japan, Tomoyasu Hotei, entre otros. En años anteriores Ken Kitamura también tenía su modelo exclusivo, pero hace algunos años se cambió de marca.

Dos de los modelos más famosos de las guitarras de Hisashi Imai y Hidehiko Hoshino de Buck-Tick.

Aquí la más célebre de todas, la Yellow Heart de Hide.

Porque también hay que mostrar los bajos, aquí el modelo de Heath.

Y por último, la guitarra de Tomoyasu Hotei.

Aquí te dejo la página oficial de Fernandes.http://www.fernandesguitars.com/

Y bien, con esto me despido. Espero que tengas una excelente semana. Déjame tus comentarios en mis páginas en redes sociales; Twitter: @Alejandro_Najar y/o en Facebook: /Alejandro.najar.3

Yo soy Najar, nos estamos leyendo con más el sábado. Yo me despido de ustedes con un:

“Síganse divirtiendo”

¡Feliz Sábado!

Hoy en la Revista PaaxSound, hablaremos un poco de la evolución de la Música.

Sin duda alguna, la música siempre ha acompañado a la humanidad desde sus inicios, podría considerarse, más que una forma de expresión, como un instinto. La música siempre ha sido una necesidad y de utilidad, como para ofrecer rituales a Dioses, para disfrutar de ella exclusivamente siendo algún duque, duquesa o bien el mismo Rey.

Pero así como evoluciona la humanidad, evoluciona la música, porque siempre existe la necesidad de innovar y de escuchar algo diferente.

En épocas antiguas, los instrumentos comenzaban a inventarse, pero utilizaban los cantos para alabar a Dios y dentro de templos tan grandes, esos cantos se escuchaban de gran majestuosidad. Al irse construyendo más y más instrumentos, pocos eran los dichosos que podían estudiarlos, pero los que había eran tan disciplinados que terminaban por ser grandes músicos.

La música en los tiempos de Bach, era creada para alcanzar la perfección, o bien, era música destinada al oído de Dios, por lo que la composición de ésta exigía muchísimo estudio musical.

Con el tiempo la música clásica se convirtió en romanticismo, donde las piezas eran más cantables y expresaban emociones.

Del Romanticismo se pasó a música del nuevo mundo, donde, por el mismo contexto social, había más libertad musical y se podía romper con toda regla clásica establecida.

Mientras tanto, comenzaba el Rag Time, el blues y música folk a finales de los 80’s.

Tiempo después, surgen bandas de Dixieland, Jazz, Soul, Big Bands y dentro de los 100 años siguientes, la música tendría, junto con la tecnología, avances muy rápidos en creación de géneros.

Surge el rock & roll, que se parecía mucho al blues, pero más rápido; luego el Pop, a partir de éxitos del British Pop de los Beatles. Más tarde se desata una oleada de géneros con todo tipo de propuestas diferentes para todo tipo de gustos.

Les dejo este video que trae canciones importantes que marcaron épocas de la música.

Definitivamente está incompleto, porque faltaron muchas épocas como el romanticismo, además del Punk como rebelión contra el reino, la música electrónica, el glam rock y muchos otros.

Tenemos una gran variedad de géneros para escoger, hoy en día hay tanta música para todo tipo de personas. La música ya forma parte de nuestra personalidad y manera de vida.

¡Hasta el próximo miércoles!

_JOSH_

ESP GUITARS: una de las marcas preferidas por los músicos japoneses.

NajarHola, ¿cómo estás? Espero que estés de maravilla.

Pues hoy vamos a hablar de una marca de instrumentos, una de las más utilizadas por los músicos japoneses. Me refiero a nada más y nada menos que la marca ESP.

ESP es una marca japonesa de guitarras y bajos fundada en 1975, por Hisatake Shibuya.

ESP es la abreviación de, “Electric Sound Products”. Hoy en día, la marca principal es ESP, también tiene varias subsidiarias estas son “LTD”, “GRASSROOTS”, “XTONES” y “EDWARDS”, la gran mayoría de estas guitarras han sido encasilladas para tocar un sonido para metal.

Actualmente, la marca maneja más de 25 modelos de guitarras, algunos de los más famosos son: “Navigator”, “Eclipse”, “Explorer”, “Viper”, entre otros.

Algunos músicos occidentales famosos que usan esta marca de guitarras son: James Hetfield y Kirk Hammett de Metallica, George Lynch, Ron Wood, Bruce Kulick, Tom Araya, Alexi Laiho, entre otros; casi todos músicos de metal.

Algunos músicos japoneses que usan actualmente ESP son: Sugizo y J de Luna Sea; Tetsuya de L’Arc-en-Ciel; Kaoru, Die y Toshiya de Dir en Grey; Mana de Moi Dix Mois, Saga de Alice Nine; Aoi, Uruha y Reita de The Gazette.

 Eclipse S-V Brilliant -mixedmedia- de Sugizo.

  D-KV de Kaoru de Dir en Grey

  D-TR-300 de Toshiya de Dir en Grey

 Jeune Fille x Lazuli de Mana de Moi Dix Mois.

Te dejo la página oficial de ESP en inglés, por si quieres darte una vuelta.

http://www.espguitars.com/

Esto es todo por el momento, más adelante hablaremos de más marcas y volveremos a retomar ésta, que tengas un excelente fin de semana, ahí pásame a saludar a twitter  @Alejandro_Najar  o en  facebook: /Alejandro.najar.3 Yo soy Najar y me despido de ustedes con un:

“Síganse divirtiendo”